FAQ по музыкальным жанрам [x]

DEATH

Death - "смертельный" метал. Максимально ужесточенная и наиболее экстремальная версия Thrash метал, с характерным грубым, брутальным вокалом. Итак, истоки музыки в стиле Death можно обнаружить в начале 80-х годов, они тесно связаны с появлением такой новаторской в то время группы как Venom. Venom одними из первых стали использовать нарочито грубый, зачастую переходящий в остервенелый крик, вокал в своих композициях, при этом доведя свой и без того достаточно динамичный, порой Speed metalический материал, по скорости исполнения и по тяжести саунда до территорий, вплотную подступающих к такому стилю тяжелой музыки как Thrash. Они стали, по сути, его крестными отцами, да еще к тому же вписали свое имя золотыми буквами в энциклопедию тяжелой музыки как первопроходцы еще одного стиля - Black metal. Venom не долго пребывали одинокими в своей ярости, и вскоре к ним стали присоединяться достойные продолжатели их традиций, объединяясь под знаменами нарождающегося и поднимающего голову "смертельного" движения, образуя тем самым целые легионы.

Особой чести и внимания удостоились три коллектива, продолжившие трансформацию и развитие наработок Venom в области мрачности и тяжести преподносимого музыкального материала, при этом все более накачивая свои риффы и ужесточая саунд, до полного соответствия названия Death и исполняемой под этим названием музыкой. Вот эти легендарные имена: швейцарцы Celtic Frost и тандем представителей американской школы metal в лице Possessed и Death. В хронологическом порядке первыми были швейцарцы, тогда еще выступавшие под названием Hellhammer. Отталкиваясь от идей стиля Black, они двинулись в сторону Thrash, стиля, который в то время находился еще в стадии становления. По максимуму ужесточив свой саунд тяжеленными риффами и громыхающими как раскаты грома ударными, Celtic Frost одними из первых стали использовать вокальные партии с наличием большого количества обертонов, исполненные под стать музыке. Они добавляли в общую палитру звучания коллектива мрачности, впоследствии такая манера пения вокалистов групп исполняющих Death metal получит название гроулинг и станет фирменным знаком всего направления.

Если в дальнейшем Celtic Frost двинулись дорогой авангардных экспериментов с Thrash, как то - использование в тяжелой музыке женского бэк-вокала и аранжировка композиций под классику, с участием струнного ансамбля, дав тем самым своеобразный прогрессивный заряд для всего metal движения, то американская Possessed в отличие от всегда тяготевших к экспериментам Celtic Frost, не задавалась целью вдаваться в эксперименты с музыкальным материалом и до самого своего распада оставалась верна раз и навсегда выбранной концепции своего творчества. Играли Possessed традиционный Thrash metal, в его первобытной трактовке, достаточно агрессивно, бескомпромиссно и динамично, с неразборчивым и "рыгающим" вокалом, выделяющим группу среди сонма прочих коллективов Thrash мэйнстрима. Possessed так же принадлежат лавры группы, впервые применившей словосочетание Death metal. Ну и, конечно же, невозможно не вспомнить икону всего Death metal, группу ставшей еще за долго до своего распада и трагической гибели своего бессменного лидера Chucka Schuldinera легендой, Death, чье имя стало нарицательным и дало название всему стилю. Дебютный альбом Death, вышедший в 1987 году "Scream Bloody Gore", многими экспертами признается как первый, поистине Deathовый продукт. На нем был представлен уже практически сформировавшийся в отдельное течение целый музыкальный стиль и многие из последователей группы черпали свое вдохновение, слушая как раз таки именно этот альбом и развивали идеи, заложенные в нем.

В лице Morbid Angel, Obituary и Deicide мы имеем достойных продолжателей дела Death, эти группы довели Death metal до нужной генерации, усложнив и разнообразив композиции структурно, они же стали одними из первых предвестников волны флоридского Death metal. Что же собой представляет стиль Death? По своей структуре это все тот же Thrash, но только доведенный до крайней степени агрессии, максимально ужесточенный и мрачный, исполненный, как правило, на ультраскоростях с использованием характерного вокала гроулинга. Первой колыбелью и вотчиной Death metala справедливо считается южноамериканский штат Флорида. Огромная заслуга в этом принадлежит двум культовым личностям американского metal-движения, братьям Jimу и Tomу Morrisaм. В городе Тампа они открыли свою звукозаписывающую студию "Morrisound", в стенах которой записывались и получили путевку в жизнь не один десяток Death metalических групп. Для примера приведем лишь несколько наиболее известных имен: Deicide, Malevolent Creation, Cancer и Incubus. То, что сделали для американских брутальных коллективов братья Morrisы со своей студией, для европейских экстремалов попытались сделать сразу две звукозаписывающих фирмы, между которыми развернулось заочное противоборство, это английская "Earache" и немецкая "Nuclear Blast", приютившие не один десяток групп стилей Death и Grind.

Вторым центром культивирования и распространения "смертоносной" музыки стали страны Скандинавии. Особо заметных успехов на этой стезе добились группы из Швеции. Такие коллективы как Entombed, Dismember, Carnage, Hypocrisy, Unleashed и Carbonized высоко подняли престиж и авторитет Швеции среди любителей экстремальных разновидностей в тяжелой музыке. Но и другие европейские страны, не желая уступать пальму первенства шведам, выставили своих смертоносных гладиаторов на музыкальном Колизее. Англия - Bolt Thrower и Benediction, Германия - Incubator и Atrocity, Голландия - Gorefest и Asphyx, Австрия - Pungent Stench. Таким образом "смертельная болезнь" постепенно распространилась по всему миру, проникнув в самые отдаленные и глухие места. В начале 90-х годов Death metalические ряды стали пополнять группы, подходящие более разнообразно к исполняемому музыкальному материалу, решившие, что Death metal вполне подходит для воплощения их экспериментаторских задумок, тем самым дав импульс для развития Techno-Death. Такие имена как Atheist, Cynic, Pestilence и Afflicted доказали, что и в "смертельном" угаре можно сочинять более серьезную и интеллектуальную музыку, по самым высоким критериям оценки.

К середине 90-х. годов Швеция, доказывая, что она заслуженно занимает одно их лидирующих мест на metal сцене, наносит мощный удар в лице новой волны своих Death metalических групп, двигаемой такими составами как Dark Tranquillity, In Flames, Edge of Sanity, At the Gates, Unanimated, Dissection и Crystal Age, под натиском которых пришлось потесниться многим признанным лидерам и ветеранам Death metal движения. Эти группы исполняли более мягкую разновидность Death metal, музыку не лишенную мелодических выкладок и в дальнейшем получившую название Melodic-Death. В настоящее время Death metal продолжает достаточно успешно существовать и привлекать на свою сторону новых рекрутов, как из среды музыкантов, так и из аудитории слушателей.

Grindcore - прямолинейная версия Hardcore/Punk-Rockа, доведенная до крайне тяжелой, экстремальной формы, впоследствии впитал в себя элементы Death metal. Группой удостоившейся чести считаться основоположницей столь экстремального по мощи своего воздействия на уши слушателей стиля принято считать английскую Napalm Death. В 1987 году свет увидело их произведение под названием "Scum". На альбоме был представлен самый скоростной, самый тяжелый, самый агрессивный и бескомпромиссный материал, какой только можно было себе представить. В то время эффект альбома Napalm Death был подобен взрыву атомной бомбы, metal андерграунд был просто потрясен. Этот релиз не прошел не замеченным среди музыкантов и сразу же породил множество последователей, которые мгновенно сориентировались и решили нарезать cверхтяжелую музыку а-ля Napalm Death. Среди английских сподвижников можно выделить следующие имена: Carcass, Extreme Noise Terror, Unseen Terror, Ripcord, Larm и Disorder. На континентальном европейском берегу "болезнью" под названием Grindcore заболели: австрийцы из Disharmonic Orchestra чье творчество иногда именуют как Techno-Grind, немцы Blood, бельгийцы Agathocles и другие представители европейской metal сцены. По ту сторону Атлантики за разработки в стиле Grindcore принялись не менее колоритные имена: Terrorizer, Cannibal Corpse, Impetigo, Autopsy и Repulsion. На данный момент, многие из легенд стиля Grind отошли от прямолинейности, ультраэкстремальности и остальных принципов подачи музыкального материала и играют несколько менее агрессивную форму metal музыки.

THRASH

Thrash - как правило, скоростной и одновременно с этим один из самых тяжелых жанров на современной metal сцене. Его появление датируют серединой 80-х годов и связывают в первую очередь с именем группы Metallica, и с такими ее альбомами как "Ride the Lightning", олицетворяющим собой первую, зрелую работу, выходящую уже за рамки традиционного Speed metal и соответственно раннюю версию собственно Thrash, и "Master of Puppets", работу представляющую собой уже полноценный Thrash metal со всей его безудержной энергией и напором. Но в этой статье мы возьмем на себя смелость и постараемся сделать более глубокий срез и проследить все вехи становления и развития Thrash metal, затронув тем самым наиболее ранние тенденции, происходившие в metal музыке и оказавшие влияние на формирование Thrash как обособленного стиля.

Итак, на заре восьмидесятых и появления так называемой "новой волны британского хэви метал" в Европе и в частности в той же Англии стали появляться коллективы, которые исполняли достаточно скоростную разновидность Hard rock''''a, получившую название Heavy Metal. Особо в этом контексте необходимо выделить группы Judas Priest и Motorhead, которые к тому времени стали настолько популярны, что это им позволило оказывать огромное влияние на большое количество своих коллег по metal-цеху. Многие композиции из репертуара этих замечательных групп послужили образцом для будущих пионеров таких стилей metal музыки как Black, Speed, Power и Thrash. К примеру, такая вещь Motorhead как "Overkill" c ураганным по тем временам темпом, мощной ритм-секцией, с просто таки маниакальной работой ударных и в частности с более акцентированным использованием сдвоенных барабан-бочек, произвела настоящий фурор в среде metal андеграунда. Взяв на заметку находки сделанные в этом направлении Motorhead''''ом и потрясающую риффовую стену, дополненную виртуозными соло-пассажами с дуэлью двух гитар, создаваемые дуэтом гитаристов, Glenn''''ом Tipton''''ом и Ken''''ом K. Downing''''ом из Judas Priest, и получив синтез того и другого в равных пропорциях, наиболее талантливые их последователи постепенно трансформировали все это в более скоростную и агрессивную музыку, положив начало развитию Thrash. Такие группы, выходцы из NWOBHM, как Venom и Raven, их заокеанские коллеги в лице Exciter и Anvil, немецкая Living Death, плюс самая древняя, в исторической хронологии, североамериканская Thrash группа Overkill, дали очередной импульс к продолжению развития идей заложенных еще Judas Priest и Motorhead, став своеобразными предтечами Thrash metal, хотя играли они, по большей части, все же традиционный Speed metal.

Но не этим прекрасным группам суждено было стать подлинными первопроходцами Thrash. Одним не хватало таланта для воплощения своих революционных идей, другим элементарной известности. Лавры же достались более талантливым и удачливым, что немаловажно в этом деле, группам, великому триумвирату, включающему в себя такие известные в будущем имена как Metallica, Slayer и Anthrax. Усвоив, наверное, еще со школьной скамьи тезис о том, что жизнь-это движение, и имея перед собой пример в лице своих более зрелых коллег, исполнявших вошедший в моду Speed metal, молодые музыканты решили действовать незамедлительно и как можно быстрее. Это их стремление играть во что бы то ни стало скоростную и вместе с тем, мощную и агрессивную разновидность metal музыки нашло отражение в их творчестве. Все три коллектива дружно дебютировали в один год – 1983-й, представив на суд слушательской аудитории и музыкальной общественности, как это водится у поистине талантливых музыкантов, три не похожих друг на друга альбома. Это был еще все тот же легко узнаваемый Speed metal, но сыгран он был более агрессивно, динамично и, что самое ценное, более разнообразно. Если Metallica пошла по пути экспериментов с ритмами, черпая вдохновение в европейской музыке конца 70-х годов, то музыканты из Slayer, напротив, обратили свое внимание на героев более позднего периода времени и, опираясь на их достижения в этой области, максимально ужесточили и интенсифицировали структуры своей музыки, получив тем самым в будущем наиболее тяжелую и скоростную версию Thrash metal. Anthrax же тем временем попытались совместить энергию и экспрессию достаточно популярного в то время в США "уличного" metal''''а под названием Hardcore с традиционными структурами Speed, получив достаточно взрывоопасная смесь. За столь многообещающим дебютом последовало не менее яркое продолжение, и на очередных альбомах указанная выше великолепная троица продемонстрировала развитие идей скоростного метала до невиданных дотоле высот, тем самым явив на свет окончательно сформировавшийся, получивший свои характерные особенности и отличия от остальных стилей и жанров metal музыки и впитавший в себя все то лучшее, что было создано до его появления, новый стиль, получивший звучное и сочное название Thrash.

По стопам Metallica, Slayer и Anthrax нога в ногу двигались еще две не менее знаменитые группы, также причисляемые к ветеранам мировой Thrash сцены, Megadeth и Exodus, вписавшие свои имена золотыми буквами в летопись Thrash metal. К тому же Megadeth на своем дебютном альбоме исполнила достаточно оригинальную версию Thrash с использованием рояля и аранжировок, близких по своим структурам к Jazz. К середине 80-х сложилась просто парадоксальная ситуация. Англия, страна, давшая толчок к развитию большинства современных стилей и жанров тяжелой музыки, стала понемногу сдавать свои позиции в супертяжелой весовой категории. Так сложилось, что Thrash metal на туманном Альбионе не снискал себе особых лавров, и в своем большинстве группы его исполняющие пребывали на задворках британской metal сцены. Известностью же за пределами Великобритании могли похвастаться разве что Onslaught и в меньшей степени Warfare с Sacrilege. С этого момента подлинными лидерами в Thrash metal по праву стали выходцы из нового света. Североамериканские группы, волна которых захлестнула все европейское пространство (Dark Angel, Nuclear Assault, Hallow''''s Eve, Heathen, Holy Terror, Flotsam and Jetsam, Nasty Savage и другие), задавали тон в Thrash и по существу диктовали моду на новые веяния в нем.

В самой же Европе акцент Thrash-атаки сместился с Британских островов на континент. Здешние группы с энтузиазмом принялись нарезать новую разновидность metal''''а, но особо заметных успехов на этом поприще добились немецкие коллективы. По аналогии с США в Германии тоже появился свой доморощенный великолепный триумвират групп, старающихся по мере возможности и таланта не отставать от североамериканских лидеров стиля. Kreator, Sodom и Destruction, группы заложившие основы немецкого Thrash metal, оформив его как оригинальную, характерную именно для немецких групп разновидность, отличительной чертой которой является, прежде всего, бескомпромиссность и некоторая прямолинейность в подаче музыкального материала. Рядом с этой троицей расположились не менее колоритные и звонкие имена для уха любого европейского Thrash''''мэна - Backwater, Tankard, Vendetta, Assassin и Accuser. Не осталась в стороне от влияния Thrash и такая удаленная от центров мировой музыкальной индустрии географическая единица как Австралия. Группы из тех далеких мест, такие как Mortal Sin, Hobb''''s Angel of Death и Addictive, стали частыми гостями на представительных metal-фестивалях.

Процесс окончательного становления Thrash как стиля завершился во второй половине 80-х. Наступило время доказывать солидной публике, прессе и критикам, что Thrash это не только динамичный и ураганно-драйвовый натиск на уши слушателей, но и то, что Thrash-группам вполне под силу и более изящное и тонкое творчество. Стремление и желание играть более сложную и разнообразную музыку охватило практически все жанры и стили metal музыки и, конечно же, группы наиболее экстремальных направлений metal тоже не остались в стороне от этих тенденций. В среде Thrash исполнителей стали появляться коллективы, которые не боялись идти на смелые эксперименты, подходили более разнообразно к аранжировке и структурированию традиционных форм Thrash metal. Хронологическими первопроходцами и зачинателями Techno-Thrash и Progressive-Thrash, по всеобщему мнению, считаются американская группа Watchtower и канадская VoiVod. Watchtower синтезировали Thrash с джазом и арт-роком, показав при этом незаурядные способности инструменталистов и поистине виртуозов своего дела. Канадцы были вдохновлены на творчество произведениями такого классического композитора как Бела Барток и легендарными британскими коллективами Pink Floyd и King Crimson. И все это богатство и разнообразие своих музыкальных вкусов участники группы органично соединили с элементами Thrash, получив тем самым оригинальную и ни на кого не похожую версию тяжелой музыки названной "психоделический" metal.

Волна увлечения экспериментальной музыкой докатилась и до берегов европейского континента. На прилавках специализированных магазинов появились альбомы швейцарской группы Celtic Frost, немецкой Mekong Delta и датской Artillery. Швейцарцы вообще являются ветеранами Avangarde-Thrash и новаторами metal вообще. При аранжировке своих музыкальных тем и структур они одними из первых в metal стали использовать струнные оркестровки, оперный вокал и электронное звучание. Группа Mekong Delta вплотную подошла к слиянию Thrash с классической музыкой, результат получился более чем убедительный. Музыка коллектива чрезвычайно разнообразна, одновременно сложна и привлекательна. Датчане Artillery опирались в своем творчестве на сложные ритмические и аритмические сбивки, частые смены ритма и темпа, использование гитарной акустики. Эстафету Techno-Thrash подхватили такие коллективы как: американцы Toxik, Hades и Realm, немцы Sieges Even, Despair (первая группа Waldemar''''a Sorychta) и Deathrow, канадцы D.B.C., Infernal Majesty и Annihilator, швейцарцы Coroner и шведы Hexenhaus, в лице которых Techno-Thrash получил достойных продолжателей своих славных традиций.

Вообще начало 90-х и первая их половина, были наиболее благоприятным временем для развития Thrash metal. По всему миру существовало большое количество первоклассных коллективов, исполняющих зачастую очень неплохую, не лишенную оригинальности музыку. Наконец-таки и Англии удалось выставить на мировой Thrash рынок своих достаточно конкурентоспособных представителей: Deathwish, Sabbat, Acid Reign, D.A.M., Re-Animator, Xentrix и Slammer, хотя последние три группы, увлекшись музыкой связки Metallica-Exodus-Testament (эти коллективы являются по существу основателями и лидерами одной из школ в Thrash metal, названной, по географическому принципу, Bay Area, группы родом из тех мест, породив тем самым целую армию своих подражателей и последователей), несколько утратили характерную для британских коллективов оригинальность.

В середине 90-х годов, с началом тотального нашествия на metal-сцену Black и Death орд, повсеместным засильем Grunge и Alternative, интерес к Thrash неуклонно стал падать. Многие подающие большие надежды и ветеранские Thrash metal группы распались или же переболели всякими "заразными" болезнями. На этом этапе сошла с Thrash дистанции великолепная Metallica, некогда признанный лидер жанра. Кто-то забавлялся с Rap (Anthrax), кто-то экспериментировал с Grunge (Overkill) и Alternative (Prong и Kreator), кто-то перешел в более тяжелую и экстремальную весовую категорию Death metal (Testament). На подмостки же Thrash стали выходить коллективы, пытающиеся угнаться за новой музыкальной конъюнктурой и сочетающие в своей музыке как новомодные веяния, так и остатки некогда великого прошлого. Музыка Face Down, Machine Head, The Haunted и других групп появившихся к середине 90-х годов, была названа Post-Thrash или Modern-Thrash, хотя от перестановки мест слагаемых сумма, как известно не меняется... Все это было сделано и замешано на использованием разных индустриальных и альтернативных штучек.

В данный момент во всем мире наблюдается тенденция к возвращению героев некогда славных времен и возрождение интереса со стороны меломанов к Thrash metal старой закваски. Итак, подводя итоги, можно сделать некоторый выводы. Отличительными чертами Thrash metal, прежде всего, является определенный, специфический ритмический рисунок и обилие ритмических сбивок. У Techno-Thrash групп часто используется постоянная смена музыкальных тем, ритма и темпа исполнения, более насыщенные аранжировки музыкальных структур, с привлечением элементов джаза и классической музыки. Также в Thrash используется характерный риффинг, как правило, очень интенсивного характера. Сам по себе Thrash бывает очень разным, от ультраскоростного и зубодробительного, максимально приближенного к Death metal в исполнении Sadus и Demolition Hammer, до достаточно мягкой разновидности, представляемой такими группам как Metal Church и Iced Earth, вплотную соприкасающейся с Power metal. Необходимо отметить, что Thrash не всегда бывает чрезвычайно скоростным. Такие, например, группы как Testament и Sacred Reich, в своем позднем творчестве, исполняли более размеренную и вдумчивую версию Thrash.

На наш взгляд, будет целесообразно рассмотреть творчество и представителей таких музыкальных течений как Hardcore - так называемый американский Punk rock, Punk rock c влиянием Thrash metal и Crossover - еще один отпрыск американского Punk-Hardcore. Но имеющий более "металлическое" обрамление. Судьбы трех стилей Thrash, Hardcore и Crossover очень тесно переплетены, многие выдающиеся Thrash metal группы свои корни ведут как раз таки из Hardcore и Crossover или играют музыку на стыке всех трех этих стилей. Так же многие Thrash коллективы считают своими предтечами такую Hardcore группу как Husker Du, а название стиля Crossover было дано по альбому Hardcore банды D.R.I.. А чего только стоят такие легендарные имена как: Dead Kennedys, Black Flag (первая команда Henry Rollins''''a), Agnostic Front, D.O.A., Corrosion of Conformity, Suicidal Tendencies, Сro-Mags и Bad Brains.

Транс (Trance) — поджанр танцевальной электронной музыки, который возник и активно развивался в 1990-х годах.

Прежде всего транс — это ритм. В этом стиле, сформировавшемся на основе немецкого техно и хардкор начала 90-х, упор делался на короткие синтезаторные партии, бесконечно повторявшиеся на всем протяжении композиций, что действительно повергало слушателя в состояние транса, близкого к религиозному. Несмотря на некоторый упадок интереса к Trance в середине 90-х, он вновь заметно возродился позднее, и к концу десятилетия стал самым популярным стилем танцевальной музыки в мире, потеснив хаус.

Выделяют такие разновидности транса:

Industrial
EBM — якобы родоначальник транса
Euro trance
Progressive trance
Hard trance
Psy trance
Psychedelic
Goa
Psytekk
Buttrock goa
Acid trance
German trance
Dread trance
Melodic trance
Soft trance
Techno trance
Dark trance
Dream trance
Opera trance


Хаус (англ. House) — жанр электронной музыки, зародившийся в начале 1980-х годов в Чикаго. Своё название хаус получил от чикагского клуба Warehouse, где диджей Фрэнки Наклз (англ. Frankie Knuckles) смешивал старое классическое диско с европейским синти-попом.

Drum 'N Bass
Распространенный почти полностью по Великобритании, стиль Jungle (также известный под названием drum'n'bass) – это переделанный hardcore techno, появившийся в начале 90-х годов. Jungle – это самый ритмичный комплекс всех известных форм techno, основанный на базе очень быстрых polyrhythms и breakbeats. Обычно, это полностью инструментальная музыка — она считается самой тяжелой среди всего hardcore techno и состоит только из быстрой партии барабанов и глубокого баса. Как подразумевает название стиля, jungle имеет более очевидное влияние со стороны регги (reggae), dub и R&B, чем большинство направлений hardcore. Поэтому некоторые критики заявили, что эта музыка стала звучанием чернокожих techno музыкантов и DJs, которые возвратили себе эту музыку, отняв ее у белых музыкантов и DJs, доминировавших в музыке hardcore. Тем не менее, jungle никогда не сбавляет обороты, чтобы стать ди-джейским материалом – он просто проносится мимо. Как большинство techno жанров, jungle - это прежде всего сингловый жанр, предназначенный для небольших аудиторий, хотя большой успех Goldie и его дебютный альбом Timeless в 1995г. предполагали участие большого количества фанатов и огромные музыкальные возможности, по сравнению с другими формами techno. Десятки уважаемых музыкантов последовали этим путем, создавая сочетание breakbeats с элементами jazz, музыкой из кинофильмов, ambient и trip-hop.

Пост-рок

Пост рок – принято считать, что он появился в середине 90х как реакция на застой и коммерческую направленность в рок музыке, а также как попытка совместить, померить, рок и арт рок музыку с электронной музыкой которая стала все более доминировать в музыкальной культуре. Считается, что родоначальниками стиля является весьма любопытная группа Tortoise, но на мой взгляд это не совсем так например Stereolab играли примерно тоже но как минимум на пять лет раньше, а во многом к стилю можно отнести и известный коллектив 80х Talk Talk.

Из статьи о музыке Tortoise, во многом это же можно применить ко всему направлению:

«Минимал рок без вокала пошёл на ура. Больше того, продукция Tortoise якобы отменила выдохшуюся и погрязшую в бесконечных клише рок-музыку. Tortoise были торжественно объявлены пост роком. Навсегда покончено с песнями-припевами, с бесконечным пафосом, с тремя постылыми гитарными аккордами. Рок-музыка больше не нуждается в гитарах, интерес по ходу развития пьесы может поддерживаться и другими - чисто музыкальными средствами. Волшебными словами были даб, минимализм и джаз.
Даб означал не просто массу баса и медленными толчками идущий вперёд грув. Под дабом имелась в виду технология, применявшаяся на Ямайке в начале 70-х: записать музыки на плёнку, а потом обработать эти плёнки так, как будто никаких живых музыкантов никогда и не было. Чем-то подобным занимались и кёльнские хиппи из группы Can, мода на которых тоже как бы сама собой подоспела.
Минимализм означал переход к новому принципу композиции. Медленно меняющиеся ритмические фигуры создавали своего рода муаровый эффект, музыка производила статичное впечатление, но на месте при этом не стояла. По сравнению с трёхаккордовым роком в пост роке оказалось значительно больше музыки.
Одновременно перенос акцента с гитарных аккордов, которые можно сравнить с лопатой, кидающей глину, на движущиеся относительно друг друга лёгкие слои ударных инструментов означал сближение с лагерем электронной музыки. Записи Tortoise (во всяком случае - некоторые пассажи) звучали как эмбиент.
Третье волшебное слово - «джаз» - применялось в том смысле, что Tortoise много импровизируют, а их саунд местами очень напоминает такое явление как cool jazz. Ну, с джазом разобрались довольно быстро. Чикагские музыканты пояснили, что во время своих концертов они ничуть не импровизируют, а играют то, что разучили. И вообще импровизация их музыке вовсе не свойственна. Их музыка придумана, сочинена, выстроена. И ритмически она никак на джаз не похожа.»

Среди других ярких представителей стиля можно отметить:
Mouse On Mars их также называют нео-краутом
Labradford
Gastr del Sol
Laika
Mogwai
Pan American
Broadcast
Beta Band
Pram
И т.д.
Стиль был интересным явлением в музыке 90х но достаточно быстро зашел в тупик как в принципе в свое время произошло и с арт-роком и практически сошел на нет в последние годы интересно узнать ваше мнение об этом музыкальном направлении.

Ambient

Это направление выросло из экспериментальной электронной музыки 70-х годов, создававшейся такими именами, как Brian Eno и Kraftwerk, а также трансоподобного танцевального techno 80-х. Ambient - это пространная музыка, в которой главное - не композиторский подход, а сама звуковая ткань. В ней часты повторения и неподготовленному слушателю она может показаться однообразной, хотя стили музыкантов, ее создающих, довольно сильно рознятся. Ambient стал популярным в начале 90-х, благодаря таким исполнителям, как the Orb и Aphex Twin.

Классическому, чистому эмбиенту присущи :
Наличие очень медленного, неявного ритма, или полное отсутствие такового.
Использование звуков природы, или "псевдоприроды", то есть модели окружающей слушителя среды, так или иначе напоминающей о природе.
Отсутсвие мелодии как таковой, или ее непостоянность и постоянная "текучесть".
Упор на басовые звуки и полное отсутствие резких "движений" и звуков.
Длинная продолжительность композиции : от 10 минут и выше. Встречаются трэки и на 45, и 90 минут.
Отсутсвие вокала, хотя часто используются речевые сэмплы и разного рода "повествования".

К восприятию нужно быть готовым на 100%, иначе ничего, кроме раздражения, эта музыка вызывать не может.

Рекомендуемые к прослушиванию альбомы : Aphex Twin - "Selected Ambient Works l & ll", Steve Roach - "Quiet Music", Delerium - "Stone Tower".
Ambient DUB

Это обозначение своим возникновением обязано одноименной серии сборников, выпущенной лейблом Beyond. С того момента исполнители, критики и слушатели так стали называть любую форму ритмичного ambient, использующего элементы и приемы производства музыки dub Ямайки, такие как ревер, упор на бас и перкуссионные, активное использование эффектов. Примерами исполнителей данного направления являются the Orb, Higher Intelligence Agency, Sub Dub, Techno Animal, Automaton, Solar Quest.
Ambient House

Ранний термин, используемый для разграничения новой волны музыкантов ambient, таких как the Orb, KLF, Irresistible Force, Future Sound of London и Orbital. Ambient House часто использовался без разбора для обозначения танцевальной музыки, вне зависимости от ее предназначения. В самом строгом своем проявлении стиль ambient house - это музыка сочетающая основные элементы acid house - midtempo, four-on-the-floor beats; синтезаторы и струнные; высокие вокальные сэмплы - все это использовалось в более свободной, парящей манере. Затем этот термин быз заменен (или скорее, усложнен, хотя многие могут быть не согласны) на более специфические термины и редко используется.
Ambient Techno

Редкая и достаточно специфичная переориентация ambient house, обычно используется такими музыкантами, как B12, ранний Aphex Twin, the Black Dog, Higher Intelligence Agency и Biosphere. Этот стиль отличает музыкантов, сочетающих мелодический и ритмический подходы techno и electro - они используют барабанные установки 808 и 909, хорошо отлаженную электронику; минорные мелодии и семплы космического звучания - парящая, монослойная атмосфера beatless и экспериментального ambient. Этот стиль часто ассоциируется с такими названиями команд как Apollo, GPR, Warp и Beyond. Терминология этого направления переросла в "intelligent techno" (интеллектуально техно) после того, как Warp выпустили композицию Artificial Intelligence (хотя в стилистическом отношении музыка осталась без изменений).
Dark Ambient

Оригинальная версия ненавязчивой фоновой музыки ambient, принадлежащая Brian Eno, которая позже была скомпилирована с теплыми ритмами house и качественным звуком от the Orb в 90-е годы, стала оппозиционным направление для стиля, известного под названием Dark Ambient. Этот стиль может похвастаться большим количеством творческих личностей - начиная от экспериментаторов в стиле industrial и metal (Scorn's Mick Harris, Current 93's David Tibet, Nurse with Wound's Steven Stapleton) до приверженцев электронной музыки (Kim Cascone/PGR, Psychick Warriors Ov Gaia), музыкантов Japanese noise (K.K. Null, Merzbow) и альтернативных рокеров, появившихся в последнее время(Main, Bark Psychosis). Стиль dark ambient отличается смягченными или совсем отсутствующими битами в сочетании с тревожными. партиями синтезатора, мрачными сэмплами и обработанными гитарными эффектами. Как и большинство стилей, имеющих какое-либо отношение к музыке electronic/dance 90-х годов, это направление имеет очень расплывчатые границы, где музыкантов начинают или заканчивают работу с выпуском каждого успешного альбома.
Experimental Ambient

Сфера Experimental Ambient , распространившаяся на копирование ambient композиторов от Tod Dockstader до Brian Eno, в совершенно неожиданных и разнообразных направлениях, охватывает широкий спектр музыкальных личностей. Этот стиль варьируется от этнических напевов (Robert Rich, Vidna Obmana) и музыки к кинофильмам (Paul SchЭtze, Lustmord) до white noise (K.K. Null, Main) и post-punk experimentation. Experimental Ambient проник во многие музыкальные жанры, включая new age, electronic dance, jazz и саундтреки.

Trip-Hop

Таким названием британская музыкальная пресса окрестила новый доморощенный стиль, появившийся приблизительно в 1993 в связи с деятельностью лейблов Mo'Wax, Ninja Tune, Cup of Tea, Wall of Sound. Для него были характерны брейкбитовый ритм, небыстрый темп и очевидные влияния джаза, фанка и соул-музыки. Этот термин отражал сходство нового стиля с американским хип-хопом (хоть в основном и невокальной музыкой) в использовании сэмплов с брейкбитами ударных, а первой своей частью (trip) свидетельствовал об отношении к музыке ambient. Очень скоро к трип-хопу стали причислять всех, кого угодно - от Portishead с Tricky до DJ Shadow и U.N.K.L.E., или Coldcut, Wagon Christ, Depth Charge, несмотря на несогласие многих их них, видевших свою музыку прямым продолжением хип-хопа, а не отходом от него. Трип-хоп, ориентированный как на танец, так и на самостоятельное прослушивание, из андеграунд-стиля стал массово популярным среди молодежи, полнометражные альбомы с этой музыкой прочно обосновались на вершине чартов независимых лейблов в Великобритании, а такие исполнители, как Shadow, Tricky, Morcheeba, the Sneaker Pimps, Massive Attack, приобрели популярность и в США.
Downbeats

Если рассматривать хип-хоповую терминалогию, downbeats-расслабляющий, довольно медленный ритмический рисунок с мягким, теплым басом. Данный термин появился в связи с публикация и в прессе рецензий на Mo'Wax'овский инструментальный хип-хоп. В общем все не драм-н-бэйсовое брэйкбитовое хозяйство можно отнести к данной категории. В январе 1998 года французская команда AIR выпустила свой дебютный альбом "Moon Safari", который является отличным примером данной категории.

АРТ РОК
Арт-рок (art rock - от англ. art - искусство) – сплав элементов рока, академической музыки («классической» и современной) и джаза, а также различных национальных музыкальных культур. Наряду с «арт-роком» употребляются такие понятия, как прогрессивный рок, симфо-рок, классик-рок, барокко-рок, техно-рок и др., однако они представляются более узкими или, напротив, более расплывчатыми.
Возникновение арт-рока было подготовлено ретро-тенденциями в академической музыке 20-30-х годов ХХ века, джазовым неоклассицизмом 30-50-х. В конце 60-х осваивать огромное культурное наследие «мира отцов» начали рокеры, еще недавно всеми силами стремившиеся от него отмежеваться. Арт-рок берет свое начало в среде лондонского андерграунда второй половины 60-х, в недрах британской психоделики с ее «закрытой» клубной атмосферой и интересом ко всему интеллектуальному, философскому, утонченному, экспериментаторскому. Именно из этой студенческо-артистической среды вышли PINK FLOYD, KING CRIMSON, SOFT MACHINE и др. «Кристаллизация» арт-рока была связана с определенным периодом творческого поиска, в процессе которого немалую роль сыграли отдельные группы и исполнители, в том числе значимые и для хард-рока (CREAM, JIMI HENDRIX EXPERIENCE, SAVOY BROWN и др.). Истоки арт-рока можно найти в позднем (1965-1970) творчестве THE BEATLES – они много экспериментировали со звучанием отдельных акустических инструментов и целых симфонических составов, одними из первых применили богатые возможности синтезатора, применяли необычные саунд-эффекты и способы звукозаписи, усложняли ладогармонический язык и форму композиций, использовали цитаты из «классики». Следует отметить и творчество американских исполнителей – дуэта SIMON & GARFUNKEL, группы VELVET UNDERGROUND и др. Обработками «старинных» произведений для новых инструментов (синтезатор Moog) увлеклись композиторы-профессионалы (альбом «Switched On Bach» Уолтера Карлоса, 1968). В рок-музыку тоже приходят исполнители с профессиональным и полупрофессиональным музыкальным образованием. Среди арт-рокеров это Эдди Джобсон, Керри Миннеар, Робби Стейнхардт, Рик Уэйкман, Роберт Фрипп , Кит Эмерсон и др.
Непосредственной предтечей стиля стала британская группа MOODY BLUES, одной из первых (наряду с BEATLES) использовавшая возможности симфонического оркестра («Days Of Future Passed», 1967). В числе первых арт-групп следует назвать PROCOL HARUM (манифестом арт-рока стал их альбом 1967 года, где в композиции «A Whiter Shade Of Pale» процитирована тема Баха). В то же время некоторые из крупных представителей арт-рока не сразу определились со стилем – так, первый экспериментаторский альбом PINK FLOYD («The Piper At The Gates Of Dawn», 1967) имел электронно-психоделическое «наклонение», дебютный диск JETHRO TULL («This Was», 1968) был выдержан в блюзовой стилистике. Как самостоятельное направление арт-рок оформился к 1968-69 годам в Англии, когда вышли первые альбомы NICE («The Thoughts Of EmerList And DavJack»), CARAVAN, SOFT MACHINE, YES (одноименные) и VAN DER GRAAF GENERATOR («Aerosol Gray Machine»), первый арт-роковый диск JETHRO TULL («Stand Up»), а также дебютные работы GENESIS («From Genesis To Revelation»), KING CRIMSON («In The Court Of The Crimson King») и др.
В 1970 увидели свет первые (одноименные) альбомы английских групп GENTLE GIANT, ELP, SUPERTRAMP, BARCLAY JAMES HARVEST, голландской FOCUS («In And Out Of Focus») и др. Среди более поздних представителей арт-рока можно назвать также британские группы ELO, ROXY MUSIC, CAMEL, BE-BOP DELUXE, ALAN PARSONS PROJECT, UK, SKY, ASIA, MARILLION, а также англо-французскую GONG и немецкую ELOY, американские PAVLOV'S DOG, KANSAS и др.
Самостоятельность обретают направления, группирующиеся по территориально-идейному принципу («кентерберийский рок», немецкий «краут-рок»); как маргинальное ответвление арт-рока формируется движение Rock In Opposition (RIO), находящееся на самом стыке арта, джаза и авангарда (британская HENRY COW, а также многие неанглоязычные группы). Все эти коллективы предлагали свои, порой друг на друга совершенно не похожие вариации на тему арт-рока.
Тем не менее, творческое кредо арт-рока можно определить как обращение к «внероковым» пластам мировой музыкальной культуры. Ассимиляция и адаптация элементов этой культуры шла сразу в нескольких направлениях. Во-первых, широко использовались оркестрово-акустические инструменты и имитирующие их синтезированные тембры (струнные, духовые, орган, старинные инструменты типа лютни и др.), а саунд в целом тяготел к «классичности», уравновешенности, прозрачности (для арта не характерен ритмический драйв и «тяжелый» саунд). Во-вторых, обращение к «классике» выливалось в использование цитат, фрагментов «чужих» произведений, а иногда и в полную переработку «старинных» сочинений на новый лад (типичный пример – «Pictures At Exhibition» ELP). В-третьих, арт-рокеры в своей собственной музыке применяли выработанные академической традицией приемы изложения и развития музыкального материала (полифонические, элементы сонатной разработки и др.), а также «классические» формы и жанры (среди них – фуга, сюита, соната, симфоническая поэма, опера) – стоит назвать, например, «The Six Wives Of Henry The VIII» Рика Уэйкмана. В-четвертых, арт-музыканты иногда стремились полностью воссоздать стилистику и образно-духовный строй музыки различных эпох и культур (средневековья, Ренессанса, барокко, классицизма XVIII века, романтизма, современного академического авангарда, фольклора различных традиций) – здесь можно вспомнить «барочных» PROCOL HARUM, «ренессансных» GENTLE GIANT, фолк-ориентированных JETHRO TULL.
На рубеже 60-70-х складывается жанр «концептуального альбома», своеобразной «большой формы» в роке, объединяющей музыкальный и поэтический материал в единое целое с помощью лейтмотивов, реприз, сквозного драматургического развития, сюжетики и др. (пионерами здесь тоже стали THE BEATLES с их альбомом «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band», 1967).
Первая половина 70-х гг. стала временем расцвета стиля, его «классическим» периодом. Однако в конце 70-х – начале 80-х арт-роковое движение пошло на убыль. Несмотря на высокие художественные достоинства, арт-рок оставался музыкой достаточно элитарной; он не был связан с какой-либо социальной платформой, не был «рупором» бунтующих поколений, как рок-н-ролл и панк-рок, не был столь демократичен, как хард-рок и блюз... Отход от «корней» рока – в области музыкального языка и вообще характерной для рок-н-ролла (в широком смысле слова) высокой «энергетичности» – не мог не сказаться на массовом слушательском интересе. Не выдержав напора панка и диско, арт-рок, как и многие другие направления 70-х, уступил место новым направлениям.
Последней крупной работой в арт-роке 70-х гг. можно считать двойной альбом «The Wall» (1979) группы PINK FLOYD, последним крупным арт-коллективом, появившимся во второй половине 70-х – британскую группу UK, просуществовавшую всего лишь около двух лет. Многие арт-группы либо распались, либо изменили свой стиль в соответствии с новыми веяниями. Первой, уже в 1975 году, объявила о прекращении творческой деятельности KING CRIMSON; в 1976, стремясь привлечь внимание массовой аудитории, изменили свое звучание GENTLE GIANT; в стилистике группы GENESIS (во многом в связи с изменением состава) также наметилась отчетливая тенденция к «демократизации». Появляется так называемая «коммерческая» разновидность арт-рока (ELO, SUPERTRAMP, ASIA и др.), в которой «коренные» признаки арт-рока (обращение к «классике», использование симфонических составов, синтезаторов и акустических инструментов, элементов крупных форм и др.) как бы выхолащиваются, обретают функцию «декорирующих».
В начале 80-х арт-рок испытывал настоящий кризис. Из «первопроходцев» лишь PINK FLOYD продолжали придерживаться прежней стилистики, однако и их творческий путь после выхода альбома «The Final Cut» (1983) временно прервался. Стиль одной из немногих новых арт-групп, появившихся в 80-е, – MARILLION – был слишком очевидно (вплоть до заимствований) связан со стилем GENESIS. В таких альбомах крупнейших арт-групп «старшего поколения», как «Drama» группы YES (1980), «A» JETHRO TULL (1980), «Discipline» возродившихся KING CRIMSON (1981) отчетливо прослеживалась тенденция к «ужесточению» звучания, четкой метричности (нередко даже танцевальности), обращению к простым песенным формам, использованию электронных тембров и упрощению музыкального языка. Вместе с тем, идеи арта продолжали развиваться в рамках движения Rock In Opposition (UNIVERS ZERO, сольное творчество участников HENRY COW и др.) и его ответвления zeuhl* (французская MAGMA), вплотную смыкающихся с авангардом. Остался верен принципам арт-рока (вплоть до настоящего времени) и Питер Хэммилл, бывший лидер группы VAN DER GRAAF GENERATOR, ныне работающий сольно.
На рубеже 80-90-х группы YES, JETHRO TULL (чуть ранее – ELP) и некоторые другие группы приняли решение вернуться к более традиционному арт-звучанию (на новом, разумеется, витке); KING CRIMSON же продолжили эксперименты в новом направлении («третий созыв» 1994 года).
Сегодня в сфере арт-рока успешно работают не только гранды, но и новые проекты (ANEKDOTEN, ARS NOVA, ECHOLYN, THE FLOWER KINGS, GLASS HAMMER, SPOKE'S BEARD и др.). Влияние арт-рока обнаруживается в стилистике самых разных направлениий, от пост-панка до индастриала, от металла до «готики», в сольном творчестве экс-хард-рокеров Ричи Блэкмора, Роберта Планта и многих других музыкантов. Охотно заимствует элементы арт-рока и поп-музыка.

Ключевые артисты и альбомы:
PROCOL HARUM «Procol Harum» (1967)
KING CRIMSON «In The Court Of The Crimson King» (1969)
ELP «Pictures At Exhibition» (1971)
PINK FLOYD «The Dark Side Of The Moon» (1973)
YES «Tales From Topographic Oceans» (1973)
GENESIS «The Lamb Lies Down On Broadway» (1974)




Кентерберийский рок

Тем, кто интересуется географией, скорее всего знаком английский город Кентербери (Canterbury). Место это примечательно в первую очередь тем, что в городке расположена резиденция архиепископа и художественный колледж. Однако кроме географического, слово "canterbury" несет и музыкальный смысл: таково название целого направления арт-рока, находящееся на стыке с джаз-роком и психоделией.
От "местного колорита" в кентерберийском роке, пожалуй, ничего и нет. Ничего, кроме маленького, но достаточно важного факта: некоторые музыканты, исповедующие "кентербери", заканчивали вышеупомянутый художественный колледж. В целом же музыка "кентербери" не имеет какой-либо национальной или географической привязанности к Англии: например, ее исполняли и французы, и австралийцы. Кроме достаточно сильной склонности к использованию элементов джаз-рока, для групп, исповедовавших стиль на раннем этапе его формирования, практически всегда был характерен своеобразный "сюрреалистический" юмор, так и сквозящий сквозь тексты песен. И, конечно же, стиль, зародившийся в середине 60-х, не мог не испытывать на себе влияние психоделического мировоззрения и наркотиков. Тем не менее, при огромном количестве общих черт, многие группы, принадлежащие к "кентербери", имеют и столь же много индивидуальных различий. Попробуйте, например, найти очевидное сходство у Caravan, National Health и Gong. В целом же кентерберийский рок - это не стиль, а, скорее, музыкальная сцена, движение.
Первой группой, исповедовавшей кантербери, были Wild Flowers. Команда была основана студентами того самого художественного колледжа. Коллектив просуществовал с 1964 по 1966 год, а затем развалился. Но музыканты Wild Flowers не канули в вечность: они основали две группы, которые в последствие станут весьма и весьма известны среди поклонников арт-рока и джаз-рока: Caravan и Soft Machine.
Первые исполняли смесь психоделии, мягкого джаз-рока и английского фолка. Музыка Caravan всегда была очень доброй, со странными текстами (без всякого сомнения, зачастую навеянными "травкой" ) и относительно несложной для восприятия. Наиболее удачными работами группы являются диски: "In the Land of Grey & Pink" (1971 г.), "Waterloo Lily" (1972 г.), а также "For Girls Who Grow Plump in the Night" (1973г.).
Soft Machine исповедовали значительно более серьезную (со всех точек зрения) музыку. Тем не менее, и их первые два альбома были не более чем стандартной психоделией конца 60-х. После этих альбомов группа стала исповедовать холодный и достаточно "завернутый" вариант джаз-рока. Один из основателей группы, Дэвид Аллен (David Allen), очень быстро покинул свое детище, перебрался во Францию и основал знаменитый Gong. Но вернемся пока к Soft Machine. Состав команды часто менялся. В частности, в нем успела поиграть на ударных и такая известная личность, как Роберт Уайэт (Robert Wyatt), чуть позже основавший группу Matching Mole (также исполнявшую кантербери). В своей музыке Soft Machine практически всегда делали упор на сложное построение композиций с обилием саксофона и клавишных. Лучшими альбомами коллектива можно назвать: "Thirds" (1970г.), "5" (1972г.) и "Six Album" (1972г.).
Стиль группы Gong, основанной Алленом, значительно сложнее уместить в какие-то рамки. В нем "замешаны" и психоделия (с "космизмами" аля ранний Pink Floyd), и прогрессив, и джаз-рок. До середины 70-х музыка коллектива усложнялась с каждым новом альбомом. Кроме того, как и французы Magma, Gong взяли свое название в честь вымышленной (самими же музыкантами) планеты. Эта планета, по мнению Аллена, населена весьма странными типами: горшкоголовыми феями и радиогномами. Лирика, написанная вокалисткой Жилли Смит была так и просто не очень пристойной: в текстах делался упор на сексуальную тематику. Примечательно, что в разное время в группе успели поиграть такие известные гитаристы, как Стив Хиллидж и Аллан Холдсворт. Вообще, история Gong полна смен составов и стилевых зигзагов. Мы же назовем лучшие творения коллектива: "The Flying Teapot" (1973г.), "Angel's Egg" (1973г.), "You" (1974г.) и "Shamal" (1976г.).
Помимо вышеупомянутых коллективов, важнейшими группами направления являются: Egg, National Health, Gilgamesh, Hatfield & the North, Khan, Matching Mole. Кроме того, на кантерберийские территории частенько забредали такие музыканты и группы, как Майк Олдфилд, Camel, Curved Air. В настоящее время "кентербери" исполняют очень небольшое число групп. Безусловно, одним из сильнейших коллективов направления являются американцы Volare, выпустившие во второй половине 90-х две очень интересные пластинки, выдержанные (в лучших традициях) на грани джаз и арт-рока. Среди последователей "кентербери" можно упомянуть и такие команды, как: The Muffins (США) и Zingale (Израиль). Однако и в настоящее время на сцену регулярно выходят и некоторые из "стариков-основателей", в частности, Caravan, Gong и Роберт Уайет, который с начала 70-х (второй и последний диск Matching Mole вышел в 1972 году) достаточно регулярно выпускает весьма интересные сольные работы.

Нео-прогрессив

Поджанр прогрессив-рока, именуемый «нео-прогрессивом» (нео-прог, англ. neo-progressive, neo-prog), появился в самом конце 70-х годов. Первая волна «нео-прога» - это ревизионистское, в некоторой степени даже регрессивное явление в прогрессиве, опирающееся на музыкальные идеи самых популярных арт-роковых групп десятилетия семидесятых (Genesis, Pink Floyd, Camel).
Группам, исповедующим «классический «нео»», присущ довольно характерный, специфический звук цифровых и аналоговых синтезаторов начала 80-х. Вообще, с некоторой натяжкой можно предположить, что «нео-прогрессив» явился продуктом «скрещивания» арт-рока 70-х и элементов "новой волны", популярной в последующее десятилетие.
Тем не менее, «нео-прог» является важным музыкальным явлением 80-х, так как это время характеризуется общим кризисом арт-рока. «Нео-проговые» группы были практическим единственными в жанре, кто относительно стабильно существовал, развивался внутри себя и поддерживал общий интерес к арт-року.
Некоторые «нео» группы добились не только творческого, но и коммерческого успеха. Пальма первенства здесь, безусловно, принадлежит англичанам Marillion. Относительный успех их дебютной работы, «Script for a Jesters Tear», а также получившего гораздо большее признание концептуального альбома «Misplaced Childhood», выпущенного в 1985 году, привел к тому, что большинство «нео-проговых» групп постарались воспользоваться находками Marillion. В свою очередь, это привело к появлению огромного количества групп-клонов, которые не предлагают абсолютно ничего нового, и опираются исключительно на мариллионовские «разработки». "Фирменный" стиль игры на гитаре Стива Ротери, клавишные Марка Кейли и вокал Фиша превратились в навязчивые, упрощенные клише.
Можно сделать вывод, что Marillion, сами опираясь на наследие ранних Genesis, наибольшим образом повлияли на развитие «нео-прога» в 80-е и задали рамки этому под-жанру. В 90-е, с приходом певца Стива Хогарта, группа практически ушла от изначального стиля, и сейчас исполняет что-то вроде брит-попа с элементами прогрессива.
Среди наиболее характерных представителей «нео» 80-х можно назвать: Saga (Канада), Marillion (Британия), IQ (Британия), Pendragon (Британия), CAST (Мексика), Deyss (Швеция), Aragon (Австралия).
В начале 90-х годов, помимо групп, продолжающих разрабатывать стезю «нео» 80-х, появляется достаточно большое число коллективов, сменивших ориентиры на таких «титанов» 70-х, таких, как Gentle Giant, ELP, King Crimson, Yes. Кроме того, одной из "стилевых моделей" становится творчество популярнейшей группы 60-х - The Beatles (которое в некоторых своих проявлениях предвосхитило арт-рок). Иногда "нео" 90-х образует своего рода гибрид с хэви-метал (например, у Arena). Кроме того, эти группы характеризуются сменой саунда на практически аутентичное звучание 70-х годов, с его меллотронами, хаммондами и мугами, а также более высоким техническим мастерством, нежели большинство «нео-групп» 80-х.
Разумеется, профанация жанра и стремление к покорению максимально-возможной аудитории, во многом испытывающей ностальгию по прошедшей эпохе расцвета Титанов, у этих групп проявляется ничуть не меньше, равно, как и перманентное отсутствие кардинально новых музыкальных идей. Они также опираются исключительно на наследие Больших имен, в число которых уже с полной ответственностью можно внести и Marillion, эксплуатируя их музыкальные достижения, не стараясь двигаться вперед.
Тем не менее, слушатели «нео» получают возможность гарантированно получать любимый продукт, который является, пожалуй, самым простым для восприятия в огромном жанре, именуемым "прогрессив".
К этой волне «нео-прогрессива» можно отнести такие коллективы, как: Ayreon (Nl), Flower Kings (Se), Spock’s Beard (USA), Echolyn (USA), Magellan (USA), Cairo (USA), Everon (Germ), Versus X (Germ), Fruitcake (Norw).
Кроме того, в 90-е появилось достаточно большое кол-во групп, работающих в «традиционном» русле «нео-прогрессива» 80-х: Galleon, Shadowland, Strangers on a Train, Arena, Landmarq, No Name (UK), Casino (UK), etc.
Говоря о "нео-проге", нельзя не упомянуть и известного английского клавишника Клайва Нолана (Clive Nolan), который активно участвует одновременно в жизни нескольких групп- лидеров «нео» 90-х: Pendragon, Arena и Shadowland, а кроме этого, в многочисленных, но рассчитанных на один-два альбома, проектах (например, Greatest Show on Earth).

GRUNGE.
Одним из наиболее заметных явлений «альтернативной» музыки рубежа 80–90-х стал грандж (grunge), сконцентрировавший в себе все деструктивное, что только было в панке, пост-панке, хардкоре и металле. В числе его предшественников можно припомнить и BLACK SABBATH, и STOOGES, и даже… KING CRIMSON образца 1974 года! Грязные, яростные аккорды гитар, резкий и одновременно вязкий саунд, упрямо-допотопные риффы, надрывный вокал (с совершенно специфической, слегка «гнусавой» окраской), резкие динамичные контрасты; какая-то неприютность, неприкаянность, депрессивность в музыке и в текстах – вот что отличало «классических» гранджевиков. Вместе с тем грандж был пронзительно, душераздирающе лиричен и на удивление мелодичен. Для гранджа характерна своя гармоническая система, попевочного типа обороты в вокальной партии, в партии гитар нередки стонущие секундовые интонации, диссонантные созвучия.
В середине 80-х грандж начинался как сугубо локальное течение (его родина – американский город Сиэттл), но очень скоро он приобрел поистине мировой размах и массовую популярность. Пионерами данного направления были GREEN RIVER, THE MELVINS (Абердин - Сиэттл), MUDHONEY, SOUNDGARDEN, L7 (Лос-Анджелес). Однако настоящий триумф гранджа начался с сиэттлской NIRVANA, которая стала одной из последних по-настоящему культовых групп в истории рока. Среди соратников и последователей NIRVANA следует назвать в первую очередь обладающих абсолютно самостоятельными творческими манерами PEARL JAM и ALICE IN CHAINS, идеи гранджа оказались близки SMASHING PUMPKINS и другим командам.
«Водораздельную» роль в истории гранджа (и всей «альтернативы») сыграл диск NIRVANA "Nevermind" (1991), получивший бешеный коммерческий успех. В этом же году на вершины чартов взлетел и дебютный диск PEARL JAM, также считающийся одним из «величайших» альбомов гранджа. Впрочем, лидер группы NIRVANA Курт Кобейн (Kurt Cobain) вряд ли предполагал, что его песни будут иметь столь оглушительную популярность, и не стремился к ней. Возможно, именно несоответствие «внешнего» статуса его внутреннему мироощущению послужило одной из причин самоубийства этого талантливого музыканта (апрель 1994 года). Фактически NIRVANA, а с нею и «классический» грандж прекратили существование еще до этого события. Однако идеи гранджа не были забыты, развиваясь с середины 90-х в русле «радио-дружественного» пост-гранджа. Некоторые из «грандов» стиля в данной ситуации почли за честь прекратить существование (ALICE IN CHAINS, SMASHING PUMPKINS), иные же продолжают действовать, пытаясь найти новые пути самовыражения (PEARL JAM, MUDHONEY).

Ключевые артисты и альбомы:
GREEN RIVER «Rehab Doll» (1988)
NIRVANA «Nevermind» (1991)
PEARL JAM «Ten» (1991)
ALICE IN CHAINS «Dirt» (1992)
SOUNDGARDEN «Superunknown» (1994)

HARD ROCK.
К концу 60-х «молодежные революции» уже практически отгремели, но осталась масса нерастраченной юношеской энергии, требовавшей выхода – его предложил хард-рок (hard rock). Этот стиль следует отнести к числу самых ортодоксальных, мейнстримных направлений рок-музыки, генетически связанных с блюзовой «праосновой». От блюза хард-рок перенял своеобразный «генетический код» – композиционно-гармоническую схему, лад, манеру интонирования, которые в хард-роке, впрочем, были значительно «опрощены» белыми исполнителями. Непосредственными предшественниками хард-рока стали британский блюз-рок и бит-музыка. В недрах прото-харда совершенствовалась техника изложения и развития музыкального материала с помощью повторяемых ритмоинтонационных формул – так называемых риффов (riffs), уходящая корнями в специфику африканского хорового пения, европейскую народную музыку (английский граунд) и профессиональные жанры музыки Востока (рага, макам). Кроме того, в формировании хард-рока значительную роль сыграли инструментальный концерт эпохи барокко и англокельтская баллада.
Одним из «опознавательных знаков» хард-рока стал его саунд. Ломающий устоявшиеся стереотипы музыкального восприятия, привычные ориентиры в организации звукового пространства, хард-рок требовал определенной слуховой перестройки, даже решимости для вхождения в новую аудиосреду. Этому стилю было тесно в клубах и на небольших концертных площадках, он тяготел к большой сцене, стадионам, огромным звукоусилительным порталам, массовой аудитории, которая стремилась сплотиться в едином порыве и одновременно отделить себя от окружающего мира своеобразным «звуковым шатром». Звучание хард-рока отличалось заметной тяжестью, высокой плотностью, гипертрофией громкостно-динамических характеристик, усилением метроритмического начала, становившегося жесткой основой для виртуозной импровизации. Королевой хард-рока стала электрогитара – пылкая electric lady, послушная беглым пальцам вдохновенных «гитарных героев». Неистовый Джими Хендрикс (Jimi Hendrix) своим необычайным техническим мастерством и сверхэмоциональной интенсивностью музыкального высказывания задал высочайшую «планку» гитаристам последующих поколений. Энергетика хард-рока – по большей части экстремально-экстатического, обостренно-трагического свойства – чаще всего воплощалась в поэтических образах героики, мистики, темах социального неравенства и неразделенной любви.
В числе первых собственно хард-роковых альбомов необходимо назвать «Led Zeppelin II» (1969) проблюзовой группы LED ZEPPELIN, вышедший несколькими месяцами позже дебютный (одноименный названию группы) альбом «сатанистов» BLACK SABBATH (1970), а также «In Rock» (1970) «классицистов» DEEP PURPLE (все группы – Британия). В «золотой фонд» хард-рока вошли абсолютно все диски ZEPPELIN, работы SABBATH 1970-76 гг., альбомы PURPLE 1970-73 гг., так же, как и большинство пластинок «хард-группы №4» – американской GRAND FUNK. В первой половине 70-х к хард-роковому стану примкнули британские коллективы URIAH HEEP, WISHBONE ASH, BUDGIE, UFO, шотландская NAZARETH, ирландская THIN LIZZY, американская BLUE OYSTER CULT, канадские GUESS WHO и BACHMAN-TURNER OVERDRIVE (BTO) и др. С начала 70-х в рамках хард-рока, нередко на какой-либо жанровой основе, начали развиваться и более самостоятельные стилевые разновидности: тяжелый рок-н-ролл (английская GEORDIE, американская AEROSMITH периода 70-х гг., австралийская AC/DC), тяжелый буги (английская STATUS QUO), кантри-хард-блюз (американская ZZ TOP), мелодичный хард-рок, или софт-хард (немецкая SCORPIONS, американские MOUNTAIN и CHEAP TRICK), поп-хард (FOREIGNER) и др. В конце 70-х (не без влияния панка) от хард-рока отделились наиболее экстремистская его ветвь – хэви-метал (heavy metal), которая очень скоро стала мощным конгломератом стилей.
В дальнейшем судьба хард-рока была непростой, однако он смог пережить и «интервенцию» на рок-сцену панка и диско, и наступление пост-панка и «новой волны» на рубеже 70–80-х, и «половодье» электронно-танцевальных стилей в конце 80-х – 90-е гг., и даже вторжение гранджа на рубеже 90-х. Некоторые группы, как, например, NAZARETH, отдав дань «модным» стилям, вернулись, в конечном итоге, к типовому хард-року, другие дали жизнь новым направлениям, как THIN LIZZY конца 70-х. Третьи же не изменяли себе никогда, придерживаясь раз и навсегда избранного «правильного» пути (AC/DC). В числе наиболее успешных работ рубежа 70-80-х следует назвать диски BLACK SABBATH и группы GILLAN, сольные релизы бывшего вокалиста SABBATH Оззи Осборна (Ozzy Osbourne), поп-хардовые эксперименты FOREIGHNER. В середине 80-х выделяются альбомы возродившихся в «классическом» составе DEEP PURPLE, сольное творчество Ронни Джеймса Дио (Ronnie James Dio). На основе хард-рока развивается и такое типично американское явление, как Adult Oriented Rock.
В 90-х в области хард-рока также появляются работы, сравнимые по своему достоинству с «золотым фондом». К ним можно отнести пластинку Озборна «Ozzmosis» (1995), альбом «Purpendecular» вновь возродившихся DEEP PURPLE (1995), совместные работы экс-зеппелиновцев Джимми Пейджа (Jimmy Page) и Роберта Планта (Robert Plant) «No Quarter» (1994) и «Walking Into Clarksdale» (1998), «Boogaloo» NAZARETH (1998). Серьезной заявкой на будущее стало и воссоединение BLACK SABBATH в оригинальном составе (1998). Все эти события свидетельствуют о неубывающей популярности хард-роковых идей, его устойчивости и жизнеспособности как одного из мейнстримных типовых стилей рок-музыки (хотя, впрочем, молодые хард-роковые команды сейчас серьезного успеха практически не добиваются).

Ключевые артисты и альбомы:
LED ZEPPELIN «Led Zeppelin II» (1969)
BLACK SABBATH «Paranoid» (1971)
DEEP PURPLE «Machine Head» (1972)
GRAND FUNK «We’re An American Band» (1973)
NAZARETH «Hair Of The Dog» (1975)

Стиль хард-н-арт (hard'n'art) родился в середине 70-х как результат слияния признаков хард- и арт-рока. Тенденция к этому слиянию была обоюдной и прослеживалась в творчестве многих коллективов – в числе ее зачинателей можно назвать уже CREAM. Арт-группы KING CRIMSON и KANSAS тяготели к тяжелому саунду, хард-рокеры DEEP PURPLE и BLACK SABBATH активно использовали элементы барочной стилистики, широко применяли клавишные инструменты. Можно вспомнить также BLUE OYSTER CULT, BOSTON, THIN LIZZY…
Но своего полного развития данная тенденция достигла в творчестве канадской группы RUSH. Эта команда сумела органично соединить высокоструктурированные способы изложения музыкального материала (риффовая техника) с развернутыми, многотемными, драматургически насыщенными арт-формами, украсить достаточно жесткий гитарный хард-саунд объемными клавишными «подкладами» и изысканными акустическими вставками, обогатить типичное для хард-рока героико-романтическое содержание сюжетами из мировой литературы, научной фантастики. И хотя в 80-е годы RUSH несколько отошли от созданного ими стиля, его до сих пор продолжают придерживаться их последователи, среди которых необходимо в первую очередь отметить QUEENSRYCHE и непосредственных подражателей ENCHANT.
Влияние на хард-н-арт в 80-е годы «тяжелого металла» привело к появлению стиля прогрессив-метал.

Ключевые артисты и альбомы:
KING CRIMSON «Red» (1974)
RUSH «2112» (1976)
RUSH «Hemispheres» (1978)
QUEENSRYCHE «Operation: Mindcrime» (1988)
ENCHANT «Juggling 9 Or Dropping 10» (2000)

Industrial Culture Extended FAQ


Оглавление

· Концептуальные корни
· Музыкальные корни
· Непосредственные предшественники
· Возникновение индастриала
· Музыкальные стили в индустриальной и пост-индустриальной музыке
-- Percussion Industrial
-- Improve Industrial
-- Ambient
-- Noise
-- Musique Concrete
-- Techno-punk (Punk-industrial)
-- Electro Body Music (EBM)
-- Aggro-industrial
-- Gothic Industrial
-- Techno

Концептуальные корни
Корни индустриальной идеологии уходят в традиции радикальной литературы и художественных перформансов, которые, в свою очередь, берут свое начало в футуризме, возникшем в начале века. Там же берут свое начало также и индустриальная тактика и методы. Историки искусства 20-го века, в качестве родоначальника перформансов, обычно ссылаются на прото-сюрреалистский театр абсурда Альфреда Жари (Alfred Jarry) Ubu Roi, действовавший в Париже в 1896 году. Филиппо Маринетти (Filippo Marinetti), чей "Футуристический манифест" был опубликован в 1909 году, подхватил провокационистский жезл в своей пьесе "Roi Bombance", написанной в 1905 году. Желание провокации играло основу Первого итальянского футуристического движения, а затем было удачно воплощено дадаистами и сюрреалистами. Политика всех трех движений (футуризм, дадаизм и сюрреализм) могла сильно различатся в то время, однако при взгляде из сегодня, важными остаются только общие черты. Все три движения были ответами на тогдашние реалии, ответы были разными. Футуризм противопоставлял традиции динамизм, технологию и патриотический милитаризм. Сюрреалистское позитивное видение "прогресса" получило некоторые отклики среди ранних индустриальных музыкантов. Однако, если большинство индустриальных музыкантов (даже такие технофилы, как Kraftwerk) имели довольно иронический и циничный взгляд на вклад науки в историю, футуристы себе такого никогда не позволяли - Маринетти праздновал Индустриальную революцию совершенно серьезно и без тени иронии. Схожесть дадаизма и индустриальной культурой менее двусмысленна. Ярость дадаистов была инспирирована Первой Мировой Войной, как наибольшим проявлением общественной банальности. Их реакция имела много общего с индустриальным искусством - это была попытка найти эстетику там, где большинство находит только злость. Для дадаистов это означало примитивистскую абстрактную живопись и перформансы в Cabaret Voltaire в Цюрихе, которые включали в себя бессловесную звуковую поэзию. Индустриальная музыка очень сильно в сегодняшнем дне и, соответствуя описанию Хельсинбека "высшего искусства", она адресованна к важнейшим вопросам сегодняшнего дня: социальной отчужденности, иллюзиям, созданным средствами массовой информации и преподносящимся вместо реальности, невозможности морали в культуре, в которой традиционные символы морали потеряли свою силу.

Музыкальные корни
Идея использования шума, как музыкального элемента берет свое начало в манифесте итальянского футуриста Луиджи Руссоло (Luigi Russolo) "Искусство шумов", опубликованном в 1913 году. Сам по себе манифест художника Руссоло был инспирирован работами композитора-футуриста Балилла Прателла (Balilla Pratella), чей "Технический манифест футуристической музыки" (1911 год) содержал следующую фразу: "[Музыка] должна передавать дух масс, огромных промышленных комплексов, поездов, океанских лайнеров, военных флотов, автомобилей и аэропланов. Все это должно присоединять к великой центральной теме поэмы область машин и победную сферу электричества". К сожалению собственная музыка Прателла была гораздо более консервативная, чем можно предположить по его словам. Еще за несколько лет до Прателла, более известные классические композиторы начали рассуждать о развитии музыки. В 1907 году Ферруччио Бусони (Ferruccio Busoni) писал в "Наброске к новой музыкальной эстетике": "В каком направлении следует направить следующий шаг? К абстрактному звуку, свободной технике и неограниченному тональному материалу". Бусони также не реализовал этот следующий шаг, однако это сделали Шенберг (Schoenberg), Айвс (Ives) и Коуэлл (Cowell), с 1907 по 1919 годов экспериментировавшие с музыкой, которая путем нарастания атональности быстро перерастает в диссонанс, а также (в случае Коуэлла), с методами использования старых инструментов. Отдельно нужно упомянуть и Александра Скрябина, пытавшегося в 20-х годах создать собственный музыкальный строй и эксперементировавшего с взаимодействием звука и света. Индустриальные музыканты, кстати, отдают ему долг уважения - Дженезис Пи-Орридж, к примеру, в разное время записал две крупноформатных вещи, в одной из которых были использованы музыкальные принципы, сформулированные Скрябиным ("Mouth of the knight"), а другая была посвящена его памяти ("Scriabianism").

Непосредственные предшественники
С середины 60-х и в Европе и в Америке начала складываться музыкальная сцена уже непосредственно предвещающающая возникновение индустриальной музыки. Все больше музыкантов начали использовать свободные музыкальные формы, импровизации, электронные инструменты и новаторские методы, позаимствованные из мира академического авангарда, а также сочетать музыку с перформансами и светом/видео. Вместе с этим их музыкальные эксперименты все дальше выходили за рамки, становившейся уже к тому времени консервативной, рок-музыки. К концу 60-х в Европе появился progressive-rock и его немецкая разновидность kraut-rock, представленная, кроме Can, такими артистами, как Tangerian Dream, Faust, Neu, Cluster, Klaus Schulze и его ранним проектом Ash Ra Temple. Из негерманских "прогрессивных" артистов следует о

Sludge Music. Сладж - особое направление в тяжёлой музыке, занимающее пограничное положение между думом и хардкором. Зачинателями сладжа (или как ещё говорят, сладжкора) считаются американские команды из Нового Орлена, Crowbar и EyeHateGod. Биография этих групп как нельзя лучше излагает историю возникновения данного стиля, а это конец 80-х гг. Очень удачно, по-моему, высказались EyeHateGod о своём стиле: соединение раннего Black Sabbath и Black Flag, архаичного дума и хардкора. Заранее хочу оговориться, о каком именно думе и хардкоре идёт речь. Дум - изначально неметаллический стиль музыки, рождённый Black Sabbath в начале 70-х гг., попросту говоря это хард-рок, а не хэви-метал. Группы типа My Dying Bride, Anathema, Paradise Lost относятся к разряду дум-метал, не путать с думом. Что же касается хардкора, то это ожесточённый панк-рок, разработанный американцами Black Flag в начале 80-х. А не какие-нибудь там Biohazard, Pantera или Korn. Итак, соединив стили дум и хардкор, мы теоретически получим сладж. Сладжем называется музыка последователей, в той или иной мере, вышеупомянутых групп Crowbar и EyeHateGod, к коим можно присовокупить ещё Grief, Dystopia, Noothgrush, Soilent Green и др. менее известные.

Нельзя также забывать, что сладж - музыка эклектичная, она способна вбирать в себя элементы других стилей. Что, кстати, не позволяет точно классифицировать стиль команд, играющих сладж или использующих в своей музыке элементы сладжа. К примеру, в некоторых иностр. рецензиях можно встретить такое определение стиля EyeHateGod как стоунер/сладжкор. Т.о., перехожу к разновидностям стиля сладж.

Sludge/stoner. Сладжкор с примесью стоунер-рока, или же агрессивный стоунер-рок, переходящий в сладж. Стоунер-рок (или desert rock, southern rock, doom rock) - современная рок-музыка, воспользовавшаяся наследием Black Sabbath и хард-рок групп 70-х по полной программе (напр., Queens of the Stone Age, Nebula, Eternal Elysium и др.). Это секс, наркотики и рок-н-ролл. Так что стоунер/сладжкор отличается мелодизмом, нарко-лирикой и психоделичностью. Примеры команд, играющих в данном стиле: Iron Monkey ("Our Problem"), Cavity ("On the Lam"), Bongzilla ("Stash"), Sourvein ("s/t").

Sludge/doom. Сладжкор с влиянием дума, или же экстремальный дум на стыке со сладжем. Стоунер - это всего лишь одна из разновидностей стиля дум. Дум в данном контексте - достаточно широкий стиль, который вбирает в себя всего Black Sabbath (не только раннего, но и более позднего периода, когда команда стала играть "хэви-метал"), Pentagram, Candlemass и проч. Сладж/думстеры играют, как правило, очень медленно, используя мощный гроулинг. Не путать с дум/дэтовыми командами типа Winter и Scepticim, кои являются ортодоксальным металом, а сладж/думстеры металом как таковым не являются. Примеры команд, играющих в данном стиле: Grief ("Come to Grief"), Corrupted ("Paso Enferior"), Spancer ("Countdown to Victory"), Weedeater ("Sixteen Tons").


Sludge/doom/stoner. Согласно названию, это смесь вышеперечисленных подстилей в определённой пропорции. Под это определение могут подпадать самые разные команды, которые звучат хардкорово, грязно, наркотично, проДУМанно, а главное сладжево. Примеры команд, играющих в данном стиле: YOB ("Elaborations of Carbon"), dot(.) ("Electric Weedland"), Beaten Back to Pure ("Southern Apocalypse"), Malasangre ("A Bad Trip to...").

Sludge/hardcore. Хардкор с примесью сладжа, или же сладж, стоящий ближе к хардкору, чем к думу. Как уже говорилось, хардкор есть ожесточённый панк-рок таких команд, как Black Flag, Circle Jerks, Descendents. Сладж/хардкорщики - действительно в первую очередь хардкорщики, нежели думстеры, и звучат соответствующе: рвано, злобно, нарочито трёхаккордно, грубо. В отличие от сладжкора, в сладж/хардкоре более ярко выражена хардкор-составляющая. Примеры команд, играющих в данном стиле: -(16)- ("Zoloft Smile"), Anodyne ("The Outer Dark"), Taint ("Split w/Black Eye Riot"), The Kiss of Death ("s/t").

Sludge/metalcore. Сладж на стыке с металкором, или же металкор с элементами сладжа. Металкор - стиль, мутировавший от хардкора, по уровню брутальности/экстремальности близкий к грайндкору. Металкор - музыка довольно быстрая, психованная, с ломаными ритмами (напр., Dillinger Escape Plan, Nostromo, Botch и др.). Сладж/металкор можно описать так же, как и металкор, но более грязный, замедленный, диссонансный. Примеры команд, играющих в данном стиле: Knut ("Challenger"), Mastodon ("Remission"), Keelhaul ("II"), Cable ("Northern Failures").

Sludge/grind. Брутальный сладж с грайнд-кусками, или же изрядно замедленный, грязный грайндкор. Эта разновидность сладж-музыки даёт основание многим считать сладж стилем, происходящим от грайнда (типичные представители грайндкора: Napalm Death, ранний Carcass, Impetigo и др.), что само собой разумеется далеко от истины. Эта музыка напичкана грайнд-фишками: безостановоночным долбанием по драмсам, частично гроулингом, частично скримсами, бульдозерными риффами. И всё это в замедленном темпе, апатично, психоделично. Примеры команд, играющих в данном стиле: Dystopia ("Human = Garbage"), Mistress ("II: The Chronovisor"), How It Ends ("So Shall It Be"), Soilent Green ("A Deleted Symphony for the Beaten Down").

Sludge/noise. Шумовой сладжкор, замедленный нойзкор или же утяжелённый психоделечный пост-хардкор. Первоначально нойз есть деконструкция, хаос, явление пост-модернизма, электронная шумовая музыка. Зародился он достаточно давно, в среде итальянских футуристов и представлял собой хаотичный набор звуков, иначе говоря антимузыку. Позже он влился в стиль электронной музыки - индастриал (Merzbow, Aube, KK Null и пр. japanoise). Уже много лет позже, в конце 80-х появился пост-хардкор стараниями таких команд, как Neurosis, Zeni Geva. Они уже не просто играли хаотично, но и добавляли настоящий электронный нойз в свою музыку. И с течением времени их стиль всё более стал походить на то, что я называю sludge/noise, т.е. по существу на особую разновидность пост-хардкора, близкую сладжу. Этот стиль ещё более эклектичен, чем само понятие сладж музыки. Neurosis и Zeni Geva породили множество последователей (Breach, Isis, Tethuo и пр.), кстати говоря, примерно тогда же, когда этим занимались Crowbar с EyeHateGod (Iron Monkey, Bongzilla, Subversion и др.), т.е. начиная со второй половины 90-х гг. Что даёт основание говорить о том, что стили сладж и сладж/нойз оформились примерно в одно время. Однако из всей "святой троицы арт-кора" (Neurosis, Zeni Geva, Today is the Day) именно Neurosis можно назвать проповедниками сладж/нойза, соответственно, последователи Neurosis (по крайней мере, та их часть, что близка сладжу) - сладж/нойзеры. Примеры команд, играющих в данном стиле: 5ive ("s/t"), Meatjack ("Days of Fire"), Pelican ("s/t"), Old Man Gloom ("Seminar III: Zazobra").

Sludge/noise/metalcore. По сути дела, это понятие почти полностью совпадает с предыдущим, но оно отличается присутствием металкор-составляющей. Neurosis близки и метал-, и панк-культуре, их часто относят к металкору. И группы, увидевшие такую сторону творчества Neurosis, подражают им в этом ключе. В отличие от сладж/нойза это музыка, под которую можно не только помедитировать, но и изрядно поэкстремальничать. Примеры команд, играющих в данном стиле: Isis ("Mosquito Control"), Cult of Luna ("The Beyond"), Overmars ("Split w/Fugue"), The Ocean ("Fogdiver").

Sludge/nu-metal. Тяжёло, сладжево звучащий ню-метал. Ню-метал (иначе называемый мазафака, MTV thrash) - популярное мэйнстримовое направление "тяжёлой музыки", представляющее собой симбиоз хип-хопа и метала (Korn, Deftones, Coal Chamber и проч.). Отличается позёрством, чисто тинэйджерским максимализмом и неврастенией. Ню-метал является по сути логическим продолжением гранджа (депрессивный альтернативный рок, произошедший в свою очередь от панка) таких команд, как Nirvana, Alice in Chains, Sound Garden и др. Так, сладж/ню-метал слишком тяжёл и экстремален для любителей ню-метала; несерьёзен и примитивен (в плохом смысле слова) для сладжеров. Примеры команд, играющих в данном стиле: Raging Speedhorn ("s/t", "We Will Be Dead Tomorrow"), Limbic Riot ("s/t"), Compression ("Battle of the Ants").

IDM
(англ. Intelligent Dance Music) — условное обозначение для набора тех стилей электронной музыки, которые не вписываются в традиционные рамки принятых обозначений.

Фигурирующее в названии жанра сочетание «Dance Music» говорит о возможном использовании принципов музыкального построения и композиционной техники, применяемых при создании танцевальной музыки. Акцент же на слове «Intelligent» указывает на то, что данный тип музыки обладает некими характеристиками отличными от характеристик «обычной музыки». Такими характеристиками могут быть — степень композиционной сложности, использование нетривиальных идей и ходов, использование необычных звуковых тембров, особое эмоциональное и информационное наполнение и т.д.

Intelligent Dance Music существенно отличается от другой электронно-танцевальной музыки наличием доминанты «творческого подхода», выраженной, прежде всего, в стремлении автора к самовыражению — к выражению собственных особых знаний, чувств и эмоций в абстрактной звуко-музыкальной форме. И именно это свойство коренным образом отграничивает Intelligent Dance Music от массы другой музыкальной продукции, и позволяет "искушённому слушателю" отличить настоящую Intelligent Dance Music от «подделок».

Для классической музыки в жанре IDM часто бывает характерно «совмещение противоположностей» — например, сбивчивые быстрые ритмы сочетаются с красивыми чувственными мелодиями. Эта особенность так же может быть объяснена основным свойством IDM-музыки, речь о котором шла выше — то есть наличием доминанты «творческого подхода», стремлением автора к выражению сложных, зачастую противоположных, эмоций.


Зарубежные представители IDM
Aphex Twin
Autechre
µ-Ziq
Squarepusher
Boards of Canada
Orbital
Cylob
Bogdan Raczynski
Joseph Nothing
Astrobotnia aka Ovuca
Com A
Bola
2 Lone Swordsmen
The Orb
Future Sound of London
Speedy J
Arovane
Cex
Datach'i
Enduser
Black Dog
Gescom
Beefcake
Funkstцrung
ISAN
Jega
Kid 606
The Flashbulb
L'usine Icl
Mouse on Mars
Otto Von Schirach
Plaid
Proem
Radiohead (альбомы Kid A, Amnesiac)
Richard Devine
Venetian Snares
Nautilis
Beaumont Hannant
Bochum Welt
DMX Crew
Global Goon
D'Arcangelo
Chris Clark
Luke Vibert
Metamatics
Muslimgauze
Ambulance
Black Lung

Underground Rap
Его принято делить на две категории. Это или hardcore hip-hop, который расширяет музыкальные границы и отличается гораздо более интересными текстами, чем gangsta клише, - или hardcore gangsta rap, который собрал в себе все музыкальные и лирические стереотипы этих жанров. Эти два стиля сходятся в том, что уделяют одинаково мало внимания традициям и условностям основной музыкальной культуры, - они прославляют свою независимость.
Gangsta Rap
Gangsta Rap начал своё развитие в конце 80-х годов. Это направление берет начало в hardcore rap. Стиль gangsta rap отличался жестким, шумным звуком. В лирическом отношении он был таким же резким, как и грубые небылицы рэпперов о городских непорядках. Иногда тексты отличались точным отображением реальности, а иногда это были просто наполненные преувеличениями комиксы. Это направление стало самым успешным в коммерческом отношении в истории развития hip-hop с конца 80-х до начала 90-х годов. В процессе своего становления gangsta rap стал причиной значительных разногласий, так как некоторые консерватино настроенные организации пытались запретить распространение альбомов этих музыкантов.Внедрение в композиции абсолютно нового звука.
Hardcore Rap
Hardcore Rap отличается конфронтацией и агрессией, как в лирическом смысле, - это тяжелый, двайвовый бит, шумные сэмплы и звукозапись, так и в любых других сочетаниях. Hardcore rap - это жесткий, уличный, напряженный и часто угрожающий стил. Стиль Gangsta rap наиболее близко взаимосвязан с hardcore rap, но не вся суть hardcore rap заключена в темах, принадлежащих gangsta, хотя при этом нельзя не отметить большое количество совпадений, особенно по части hardcore рэперов 90-х годов.
Latin Rap
Этот стиль относится к hip-hop и rap, переработанным латино-американскими музыкантами. Они могут читать rap по-английски или по-испански, а в музыке часто присутствует влияние знаменитых латинских ритмов.
Southern Rap
В конце 80-х годов, Southern rap в соновном ассоциировался с Miami bass music, а также был известен под названием "booty rap" за свои зажигательные ритмы и доминирование лирики. Основными исполнителями можно назвать команду Luther Campbell's 2 Live Crew, которая довела тему секса в его текстах до максимального предела, провоцируя шумные протесты от любителей цензуры по всей стране. Звуки Miami bass распространились по всей территории юга США, главным танцевальным ритмом нации 90-х годов. На этой сцене преобладали такие исполнители, как Tag Team, 95 South, the 69 Boyz, Quad City DJ's и Freak Nasty. Atlanta принадлежал целый ряд исполнителей в стиле тяжелого party rap, здесь также развивался более характерный (и признаваемый критиками) стиль, совмещавший в себе классический Southern soul.
Metal Rap
Термин характеризует рэп-стандарты, записанные в тяжёлых гитарных аранжировках. По своей стилистике весьма близок к панк-хардкору.
East Coast Rap
Это направление преобладалоа протяжении 80-х годов. Хотя звучание East Coast rap не было полностью однородным, но, начиная с середины и до конца 80-х годов, этот стиль тяготел к более агрессивным битам и комбинациям сэмплов, а многие рэперы гордились своим техническим профессионализмом в отношении текстового наполнения. За редким исключением, East Coast rap стал музыкальным стилем, предназначенным больше для напряженного слушателя, чем для танцпола, что помогло превратить этот жанр в уважаемую художественную форму, более продуманную и комплексную. Типичными представителями этой «золотой эры» East Coast были такие исполнители, как Eric B. & Rakim, Boogie Down Productions и Slick Rick.
Reggae
Разновидность современной поп-музыки, основой которой являются фольклор стран Карибского моря (прежде всего Ямайки), ска, калипсо, элементы латиноамериканской музыки и ритм-энд-блюза. К особенностям музыки реггей относятся: изощренная ритмика (в том числе с использованием полиритмии и полиметрии), принцип офф-бита, разнообразие применяемых ударных инструментов, двутактовая периодичность мелодических и гармонических структур, принцип «вопрос — ответ» как основа формообразования. Музыка реггей тесно связана с идеями и практикой такого религиозно-философского учения, как растафарианизм (объединение всех чернокожих жителей мира и их реэмиграция в Африку). Крупнейшие представители музыки реггей — Боб Марли, Джимми Клифф, Эдди Грант. Элементы реггей и его репертуар нередко используются в других стилях поп-музыки.
Alternative Rap
Данное направление относится к Hip-Hop командам, которые отказываются следовать любым традиционным стереотипам рэпа, таким как Gangsta, Funk, bass, Hardcore и Party Rap. Вместо этого они смешивают различные жанры, добавляя равные элементы Funk и pop/Rock, а также jazz, Soul, reggae и даже folk. Хотя командам Arrested Development и Fugees удалось добиться успеха и заявить о себе, большинство Alternative Rap групп остаются в основном музыкантами для alternative Rock фэнов, а не для Hip-Hop или pop аудитории.
West Coast Rap
West Coast Rap преобладал на hip-hop сцене в середине 90-х годов, создавая популярность появившемуся направлению gangsta rap и продолжая статус Dr. Dre, как одной из самых влиятельных фигур с rap истории. Хотя, даже если запатентованный Dre стиль G-funk во многом определял звук и стилевую направленность на западном побережье (West Coast), то калифорнийская rap сцена была гораздо разнообразнее. В середине-конце 80-х годов, West Coast rap в основном имитировал East Coast party rap, считая своей родиной мастеров «старой школы» (old-school). Однако, как Los Angeles, так и Bay Area вскоре оказались очень плодородной почвой для развития музыкальной культуры.
Hip-Hop
Hip-Hop. Более широкое понятие, нежели рэп. Нередко его относят к культуре — рисующей на стенах домов, танцующей breakdance и крутящей «винил» в дополнение к рэповым рифмовкам — окружающей музыку. Как музыкальный стиль, однако, hip-hop относится к типу музыки, которая создается, принимая во нимание все эти атрибуты. Так как направление вращалось на музыкальной сцене достаточно давно, чтобы иметь историю своего развития, то hip-hop команды стали оглядываться на творчество таких old-school мастеров, как MCs Kurtis Blow и Whodini, а также DJs Grandmaster Flash и Afrika Bambaataa.
Experimental Rap
Симбиоз рэпа с самыми различными направлениями музыки. Под этим термином нередко понимают смешение dance hall, raggamuffin с хип-хопом и рэпом.
Old School Rap
Old School Rap - этот стиль используется очень быстрыми rap музыкантами, которые были выходцами из New York City в конце 70-х – начале 80-х годов. Old school (в переводе с англ. «старая школа») отличается от остальных направлений своим относительно упрощенным рэпом — большинство строк занимают примерно одинаковое время, а речевые ритмы редко изменяют направление по ходу битов композиции. Модуляция (понижение голоса) обычно точно попадает на бит, а когда такого не случается, то это не надолго, - звук возвращается в изначальную палитру для быстрого консонанса (согласования). Основной акцент делался не на лирическую сторону музыки, а просто на «старые добрые времена» — это было вдалеке от социально озабоченой команды Grandmaster Flash, которая значительно расширила горизонты rap музыки. Большинство материала в стиле old school rap имело веселый и шутливый привкус городских вечеринок и дискотек, где он зарождался.

Джаз
Джаз (англ. Jazz) — форма музыкального искусства, возникшая в начале XX века в США в результате синтеза африканской и европейской культур и получившая впоследствии повсеместное распространение. Характерными чертами музыкального языка джаза изначально стали импровизация, полиритмия, основанная на синкопированных ритмах, и уникальный комплекс приёмов исполнения ритмической фактуры — свинг. Дальнейшее развитие джаза происходило за счёт освоения джазовыми музыкантами и композиторами новых ритмических и гармонических моделей.
В самом названии "джаз" по-арабски записано "быть дозволенным". Эта музыка рабов в конце концов сломала тоталитарные режимы, где царствовали классические оркестры, всецело подчинявшиеся воле дирижерской палочки. Согласно исследованиям профессора истории и американской культуры Пенни Ван Эсчен, Госдепартамент США пытался использовать джаз в качестве идеологического оружия против СССР и расширения советского влияния на страны третьего мира.[1][2] Истоки джаза связаны с блюзом. Джаз возник в конце XIX века как слияние африканских ритмов и европейской гармонии, но истоки его следует искать с момента завоза рабов из Африки на территорию Нового света. Привезённые рабы не были выходцами из одного рода и обычно даже не понимали друг друга. Необходимость консолидации привела к объединению множества культур и, как следствие, — к созданию единой культуры (в том числе и музыкальной) афроамериканцев. Процессы смешивания африканской музыкальной культуры, и европейской (которая тоже претерпела серьёзные изменения в Новом Свете) происходили начиная с XVIII века и в XIX веке привели к возникновению «протоджаза», а затем и Джаза в общепринятом понимании. Основополагающую роль в подлинном джазе играет импровизация. Кроме того, джаз отличается синкопированностью (выделение слабых долей и неожиданные акценты) и особым драйвом. Две последние составляющие возникают в рэгтайме, а затем переносятся на игру оркестров (бэндов), после чего для обозначения этого нового стиля музицирования и возникает слово «джаз», пишущееся сначала как «Jass», затем как «Jasz» и только с 1918 года приобретающее свой современный вид. Кроме того, многие направления джаза отличаются особой техникой исполнения: «раскачиванием» или свингом. Колыбелью джаза был американский Юг и прежде всего Новый Орлеан. 26 февраля 1917 года в нью-йоркской студии фирмы «Victor» пятеро белых музыкантов из Нового Орлеана записали первую джазовую грампластинку. Значение этого факта трудно переоценить: до появления в свет этой пластинки джаз оставался маргинальным явлением, музыкальным фольклором, а после — в течение нескольких недель ошеломил всю Америку. Запись принадлежала легендарному «Original Dixieland Jazz Band».

Прогрессив-джаз
Параллельно с возникновением бибопа, в среде джаза развивается новый жанр-прогрессивный джаз, или просто прогрессив. Основным отличием этого жанра становится стремление отойти от застывшего клише биг-бендов и устаревших, затёртых приёмов т. н. симфоджаза, введённых в 1920-е Полом Уайтменом. В отличие от бопперов, творцы прогрессива не стремились к радикальному отказу от джазовых традиций, сложившихся на то время. Они скорее стремились к обновлению и усовершенствованию свинговых фраз-моделей, вводя в практику композиции последние достижения европейского симфонизма в области тональности и гармонии.
Наибольший вклад в развитие концепций «прогрессива» внёс пианист и дирижёр Стэн Кентон. С его первых работ собственно и берёт начало прогрессивный джаз начала 1940-х. По звучанию музыка, исполнявшаяся его первым оркестром была близка к Рахманинову, а композиции несли черты позднего романтизма. Однако по жанру это было ближе всего к симфоджазу. Позднее, в годы создания знаменитой серии его альбомов «Artistry», элементы джаза уже перестали играть роль создания колорита, а уже органично вплетались в музыкальный материал. Наряду с Кентоном, заслуга в этом принадлежала и его лучшему аранжировщику, Питу Руголо, ученику Дариуса Мийо. Современное (по тем годам) симфоническое звучание, специфическая техника стаккато в игре саксофонов, смелые гармонии, частые секунды и блоки, наряду с политональностью и джазовой ритмической пульсацией-вот отличительные черты этой музыки, с которой Стэн Кентон на многие годы вошёл в историю джаза, как один из его новаторов, нашедших общую платформу для европейской симфонической культуры и элементов бибопа, особенно заметных в пьесах, где сольные инструменталисты как бы противостояли звукам остального оркестра. Следует отметить также и большое внимание, которое уделял Кентон в своих композициях импровизационным партиям солистов, в числе которых следует отметить всемирно известного барабанщика Шелли Мейна, контрабасиста Эда Сафранского, тромбониста Кэя Уиндинга, Джун Кристи, одну из лучших джазовых вокалисток тех лет. Верность выбранному жанру Стэн Кентон сохранил на протяжении всей своей карьеры.
Кроме Стэна Кентона, свою лепту в развитие жанра внесли также интересные аранжировщики и инструменталисты Бойд Райберн и Гил Эванс. Своеобразным апофеозом развития прогрессива, наряду с уже упомянутой серией «Artistry» можно считать и серию альбомов, записанных биг-бендом Гила Эванса совместно с ансамблем Майлза Девиса в 1950—1960-е годы, например «Майлз впереди», «Порги и Бесс» и «Испанские рисунки». Незадолго до своей кончины Майлз Девис снова обратился к этому жанру, записав старые аранжементы Гила Эванса с биг-бендом Куинси Джонса.


Майлз Дэвис

Ладовый (модальный) джаз
Начиная с конца 1950-х, трубач Майлз Дэвис и тенор-саксофонист Джон Колтрейн в области подхода к мелодии и импровизации развернули новаторские эксперименты с ладами, заимствованными непосредственно из классической музыки. Эти музыканты для формирования мелодий вместо аккордов стали использовать небольшое количество специфических ладов. Результатом стала гармонически статичная, построенная почти исключительно на мелодии форма джаза. Солисты иногда рисковали, отступая от заданной тональности, но это и создавало острое ощущение напряжённости и освобождения. Темпы применялись от медленного до быстрого, но в целом, музыка имела непостоянный, извилистый характер, её отличало чувство неторопливости. Для создания более экзотического эффекта, исполнители в качестве «модальной» основы для своей музыки иногда использовали неевропейские гаммы (например, индийские, арабские, африканские). Неопределённый тональный центр модального джаза стал неким стартовым фундаментом для фри-джазовых взлётов тех экспериментаторов, которые пришли на следующем этапе джазовой истории, включая тенор-саксофониста Фароа Сандерса. Классическими примерами модального джазового стиля являются пьесы из репертуара Майлза Дэвиса «Milestones» (игра слов: «Вехи» либо «Звуки Майлза»), «So What» («Ну и что») и «Flamenco Sketches» («Наброски в стиле Фламенко»), а также «My Favorite Things»(«Мои любимые вещи») и «Impressions»(«Впечатления») Джона Колтрэйна.

Джаз-фьюжн

Джаз-фьюжн (также джаз-рок фьюжн, рок-фьюжн или фьюжн; англ. fusion — сплав) — музыкальный жанр, соединяющий в себе элементы джаза и музыки других стилей, обычно поп, рок, фолк, регги, фанк, метал, R&B, хип-хоп, электронная музыка и этническая музыка. Альбомы фьюжн, даже сделанные одним исполнителем, часто включают в себя разнообразие этих стилей.
В конце 1960-х джазмены стали смешивать различные формы и импровизационные техники джаза с электрическими инструментами рока и ритмами соула и ритм-энд-блюза. В это же время некоторые рок-музыканты стали добавлять джазовые элементы в свою музыку. 1970-е стали десятилетием наибольшего развития фьюжна, хотя стиль хорошо представлен и в более поздние времена. Будучи скорее систематизированным музыкальным стилем, фьюжн может быть рассмотрен как музыкальная традиция или подход. Некоторая прогрессив-рок музыка также считается фьюжном.
Фьюжн-музыка обычно инструментальна, часто со сложными тактовыми размерами, метром, ритмом и удлинёнными композициями, содержащими импровизации. Многие выдающиеся фьюжн-музыканты узнаваемы по высокому уровню техники, сочетающемуся со сложными композициями и музыкальными импровизациями в метрах, редко встречающихся в других западных музыкальных формах.
Фьюжн-музыка обычно получает мало эфирного времени на радио в США, вероятно, из-за её сложности, отсутствия вокала и длинных композиций. Европейское радио более дружественно к фьюжн-музыке, также в Японии и Южной Америке присутствует значительное количество поклонников этого стиля музыки. Некоторые интернет-радиостанции представляют фьюжн, включая отдельные каналы таких сервисов, как AOL Radio и Yahoo! Launchcast.
В середине 1960-х Джулиан Аддерлей (Julian «Cannonball» Adderley) стал исполнять музыку, сочетающую джаз и поп. В конце 1960-х Майлз Дэвис и The Tony Williams Lifetime использовали такие инструменты, как электрогитара, бас-гитара и электро-фортепиано, для создания музыки, сочетающей джаз с роком и другими жанрами. Позже Херби Хэнкок (Herbie Hancock), Джо Завинул, Ян Хаммер (Jan Hammer) и Чик Кориа (Chick Corea) стали применять синтезаторы.
Джазовые музыканты следовали достижениям поп-музыки и тоже начали использовать улучшенный монтаж на современных студиях звукозаписи, многодорожечную запись и электронные эффекты к дополнению к композициям или импровизациям. Например, альбомы трубача Майлза Дэвиса In a Silent Way (1969) и Bitches Brew (1970) включают длинные (более 20 минут) композиции, которые никогда не записывались непосредственно музыкантами в студии, а музыкальный темы различной длины отбирались из записанных импровизаций и монтировались в единое целое. Это считается краеугольным камнем записей этого жанра.
Многие рок-музыканты стали независимо приближаться к джазовым формам в середине 1960-х. The Byrds в декабре 1965 года записали первую версию «Eight Miles High», инновационного сингла, подражающего стилю классического квартета Джона Колтрейна. В 1966 году Пол Баттерфилд (Paul Butterfield) и Майк Блумфилд (Mike Bloomfield) записали длинную импровизационную пьесу «East-West».
Другие рок-музыканты также исполняли и записывали рок-песни, включающие расширенные импровизации, длинные, состоящие из нескольких частей композиции. Например, Джимми Хендрикс, The Allman Brothers Band в США и King Crimson, Soft Machine, Yes (которые исполнили «I See You» The Byrds в фьюжн-стиле) и Cream в Великобритании. Фрэнк Заппа выпустил свой первый джаз-рок альбом, Hot Rats, в 1969 году. Он продолжал иногда записывать фьюжн-музыку в течение своей карьеры (например, Waka/Jawaka и The Grand Wazoo), став значимым представителем жанра.
Некоторые известные джаз-рок группы также имели значительный успех в конце 1960-х и начале 1970-х, включая американские Blood, Sweat & Tears, Chicago, Steely Dan, Chase, Dreams, и британские Traffic, Colosseum и If.
В конце 60-х — начале 70-х гг. джаз-рок развивался параллельно с другим «усложнённым» направлением рок-музыки — арт-роком. Степень музыкальной экспрессии и множество исполнительских приемов были взяты из рок-музыки. За счет смешения исполнительских приёмов рока и экспрессии, экспериментальности джаза группам удалось добиться расширения спектра передаваемых ощущений. Одним из первых стал экспериментировать в этом направлении Фрэнк Заппа.
Некоторые группы (Blood, Sweat and Tears, Chicago и другие) взяли за основу звучание биг-бендов, ритм-энд-блюз и различные направления рок-музыки. Другие группы, опираясь на фри-джаз стали больше экспериментировать с электрическим звучанием инструментов, различными направлениями музыки, усложнять мелодию, ритм. Джаз-фьюжн постепенно становился настолько близок к прог-року, что часто одни и те же группы причисляют сразу к обоим направлениям. Группы фьюжна уделяли много внимания импровизации, оттачивали исполнительскую технику, доводя её до виртуозности. Самыми значительными командами, принятыми не только джаз-, но и рок-аудиторией, считаются группы Mahavishnu Orchestra, Weather Report, Return To Forever, Brand X.

Соул-джаз
Близкий родственник хардбопа, соул джаз представлен малыми, базирующимися на органе мини-составами, которые возникли в середине 1950-х и продолжали выступать в 1970-е. Основанная на блюзе и госпелах музыка соул-джаза пульсирует афро-американской духовностью. Большинство великих органистов джаза пришло на сцену в эпоху соул джаза: Джимми Макгрифф, Чарльз Эрланд, Ричард «Грув» Холмс, Лес Мак-Кейн, Дональд Паттерсон, Джек Макдафф и Джимми «Хаммонд» Смит. Все они вели в 1960-х свои группы, часто играя в небольших помещениях в составе трио. Тенорсаксофон в этих ансамблях также был заметной фигурой, добавляя свой голос в общую смесь, подобно голосу проповедника в госпелах.
Такие светила, как Джин Эммонс, Эдди Харрис, Стэнли Террентайн, Эдди «Столбняк» Дэвис, Хьюстон Персон, Хенк Кроуфорд и Дэвид «Болван» Ньюман, а так же и члены ансамблей Рэя Чарльза конца 1950-х и 1960-х часто расцениваются как представители стиля соул-джаз. То же относится и к Чарльзу Мингусу. Как и хардбоп, соул-джаз отличался от джаза Западного Побережья: Эта музыка вызывала страсть и сильное чувство единения, а не одиночества и эмоциональной прохлады, свойственных уэст-коэст джазу. Стремительно закрученные мелодии соул джаза, благодаря частому использованию остинатных басовых фигур и повторяющихся ритмических семплов сделали эту музыку весьма доступной широкой публике. К числу хитов, рождённых соул джазом относятся, например композиции пианиста Рэмси Льюиса «Посвященные» («The In Crowd»-1965) и Харриса-МакКейна «По сравнению с чем» («Compared To What»-1969). Не следует путать соул джаз с тем, что теперь известно, как «соул музыка». Несмотря на частичное влияние госпела, соул джаз вырос из бибопа, а корни соул-музыки восходят непосредственно к популярному с начала 1960-х ритм энд блюзу.

Грув
Являясь ответвлением соул-джаза, стиль грув рисует мелодии блюзовыми нотами и отличается исключительной ритмической сосредоточенностью. Иногда называемый также «фанком», грув концентрируется на поддержании непрерывного характерного ритмического рисунка, сдабривая его лёгкими инструментальными и порой лирическими украшениями. Произведения, исполняемые в стиле грув полны радостных эмоций, приглашающих слушателей танцевать, как в замедленном, блюзовом варианте, так и в быстром темпе. Сольные импровизации сохраняют строгое подчинение биту и коллективному звучанию. Наиболее знаменитыми представителями этого стиля являются органисты Ричард «Грув» Холмс и Ширли Скотт, тенорсаксофонист Джин Эммонс и флейтист/альтсаксофонист Лео Райт.

Фри-джаз
Возможно самое спорное движение в истории джаза возникло с появлением свободного джаза, или «Новой Вещи», как оно впоследствии было названо. Хотя элементы свободного джаза существовали в пределах музыкальной структуры джаза задолго до появления самого термина, наиболее оригинально в «экспериментах» таких новаторов как Коулмен Хокинс, Пи Ви Расселл и Ленни Тристано, но только к концу 1950-х усилиями таких пионеров, как саксофонист Орнетт Коулман и пианист Сесил Тэйлор, это направление оформилось как самостоятельный стиль.
То, что сотворили эти два музыканта вместе с другими, включая Джона Колтрэйна, Альберта Эйлера и сообществ вроде «Сан Ра Аркестра» (Sun Ra Arkestra) и группы, называвшейся «Революционный Ансамбль» (The Revolutionary Ensemble), состояло в разнообразных изменениях в структуре и чувстве музыки. Среди новшеств, которые вводились с воображением и большой музыкальностью, был отказ от последовательности аккордов, что позволяло музыке двигаться в любом направлении. Другое фундаментальное изменение было найдено в области ритмики, где «свинг» был или пересмотрен, или игнорировался в целом. Другими словами, пульсация, метр и грув больше не являлись существенным элементом в этом прочтении джаза. Ещё один ключевой компонент был связан с атональностью. Теперь музыкальное изречение больше не строилось на обычной тональной системе. Пронзительные, лающие, конвульсивные ноты заполнили полностью этот новый звуковой мир. Свободный джаз и сегодня продолжает существовать, как жизнеспособная форма выражения, и фактически уже не является столь спорным стилем, каким он принимался на заре своего возникновения.

Криэйтив
Появление направления «Криэйтив» ознаменовано проникновением в джаз элементов экспериментализма и авангарда. Начало этого процесса частично совпало с возникновением свободного джаза. Элементы джаз-авангарда, понимаемые, как вводимые в музыку изменения и новшества, всегда были «экспериментальными». Так что новые формы экспериментализма, предлагавшиеся джазом в 1950-х ', 1960-е и 1970-е годы были наиболее радикальным отходом от традиций, введя в практику новые элементы ритмов, тональности и структуры. Фактически, авангардистская музыка стала синонимичной с открытыми формами, охарактеризовать которые было труднее, чем даже свободный джаз. Предварительно запланированная структура изречений смешивалась с более свободными сольными фразами, частично напоминая о свободном джазе. Композиционные элементы настолько сливались с импровизацией, что уже было трудно определить, где заканчивалось первое и начиналось второе. Фактически, музыкальная структура произведений разрабатывалась так, чтобы соло являлось продуктом аранжемента, логически подводя музыкальный процесс к тому, что обычно рассматривалось бы как форма абстракции или даже хаос. Свинговые ритмы и даже мелодии могли быть включены в музыкальную тему, но это было вовсе не обязательно. К ранним пионерам этого направления следует отнести пианиста Ленни Тристано, саксофониста Джимми Джоффри и композитора/аранжировщика/дирижёра Гюнтера Шуллера. К более поздним мастерам относятся пианисты Пол Блей и Эндрю Хилл, саксофонисты Энтони Бракстон и Сэм Риверс, барабанщики Санни Мюррей и Эндрю Сирилл, а также члены сообщества AACM (Ассоциации для Продвижения Творческих Музыкантов), типа Художественного Ансамбля Чикаго (Art Ensemble of Chicago).

Мейнстрим
После окончания господствующей моды больших оркестров в эпоху биг-бендов, когда музыку больших оркестров на сцене стали теснить маленькие джазовые ансамбли, свинговая музыка продолжала звучать. Многие знаменитые свинговые солисты после концертных выступлений в болл-румах, любили поиграть в своё удовольствие на спонтанно устраиваемых джемах в небольших клубах на 52-й улице в Нью-Йорке. Причем это были не только те, кто работал в качестве «сайдменов» в больших оркестрах, такие как Бэн Уэбстер, Коулмен Хокинс, Лестер Янг, Рой Элдридж, Джонни Ходжес, Бак Клэйтон и другие. Сами руководители биг-бэндов — Дюк Эллингтон, Каунт Бэйси, Бенни Гудмен, Джек Тигарден, Гарри Джеймс, Джин Крупа, будучи изначально солистами, а не только дирижёрами, тоже искали возможности поиграть отдельно от своего большого коллектива, в малом составе. Не принимая новаторские приёмы наступающег бибопа, эти музыканты придерживались традиционной для свинга манеры, демонстрируя при этом неиссякаемую фантазию при исполнении импровизационных партий. Основные звезды свинга постоянно выступали и записывались в небольших составах, получивших название «комбо», в рамках которых было гораздо больше простора для импровизаций. Стиль этого направления клубного джаза конца 1930-х получил с началом подъёма бибопа название мейнстрим, или главное течение. Некоторых из самых прекрасных исполнителей этой эпохи можно было услышать в прекрасной форме на джемах 1950-х, когда аккордная импровизация уже получила преимущественное применение по сравнению с методом раскрашивания мелодии, характерная для эпохи свинга. Вновь возникнув как свободный стиль в конце 1970-х и 1980-х, мейнстрим впитал в себя элементы кул-джаза, бибопа и хардбопа. Термин «современный мейнстрим» или постбибоп используется сегодня почти для любого стиля, который не имеет близкой связи с историческими стилями джазовой музыки.


Дюк Эллингтон

Постбибоп
Период постбибопа охватывает музыку, исполнявшуюся джазовыми музыкантами, которые продолжали творить на ниве бибопа, уклоняясь от экспериментов свободного джаза, развивавшегося в течение того же самого периода 1960-х. Также, как и вышеназванный хардбоп, эта форма основывалась на ритмах, ансамблевой структуре и энергии бибопа, на тех же комбинациях духовых и на том же музыкальном репертуаре, включая использование латинских элементов. То, что отличало музыку постбибопа, заключалось в использовании элементов фанка, грува или соул, перекроенных в духе наступившего нового времени, ознаменованного господством поп-музыки. Такие мастера, как саксофонист Хэнк Мобли, пианист Хорас Силвер, барабанщик Арт Блэки и трубач Ли Морган фактически начали эту музыку в середине 1950-х и предвосхитили то, что теперь стало преобладающей формой джаза. Наряду с более простыми мелодиями и более проникновенным битом слушатель мог услышать здесь и следы перемешанных между собой госпела и ритм энд блюза. Этот стиль, встречавшийся с некоторыми изменениями в течение 1960-х, в определённой степени использовался для создания новых структур как композиционный элемент. Саксофонист Джо Хендерсон, пианист Маккой Тайнер и даже такой видный боппер, как Диззи Гиллеспи, создавали в этом жанре музыку, которая была и человечной, и интересной гармонически. Одним из самых значительных композиторов, появившихся в этот период был саксофонист Уэйн Шортер. Шортер пройдя школу в ансамбле Арта Блэки, сделал в течение 1960-х записи ряда сильных альбомов под своим собственным именем. Вместе с клавишником Херби Ханкоком, Шортер помог Майлзу Дэвису создать в 1960-х квинтет (наиболее экспериментальной и очень влиятельной группой постбибопа 1950-х был квинтет Дэвиса с участием Джона Колтрэйна) ставший одной из самых значительных групп в джазовой истории.

Эйсид-джаз
Термин «Эйсид-джаз» или «кислотный джаз» свободно используется применительно к весьма широкому диапазону музыки. Хотя эйсид-джаз не вполне правомочно относить к джазовым стилям, которые развивались от общего древа джазовых традиций, но его нельзя и совершенно игнорировать при разборе жанрового многообразия джазовой музыки. Возникнув в 1987 на британской танцевальной сцене, эйсид-джаз как музыкальный, преимущественно инструментальный стиль сформировался на базе фанка, с добавками избранных классических джазовых треков, хип-хопа, соул и латинского грува. Собственно этот стиль является одной из разновидностей джазового возрождения, вдохновлённого в этом случае не столько выступлениями живых ветеранов, сколько старыми записями джаза конца 1960-х и раннего джазового фанка начала 1970-х. Со временем, после завершения стадии формирования из этой музыкальной мозаики, совершено исчезла импровизация, что явилось основным предметом спора о том, является ли эйсид-джаз собственно джазом.
К числу известных представителей эйсид-джаза относятся такие музыканты, как Jamiroquai, Incognito, Brand New Heavies, Groove Collective, Guru, Джеймс Тэйлор. Некоторые специалисты считают, что трио Medeski, Martin & Wood, позиционирующиеся сегодня как представители современного авангардизма, начинали свою карьеру с эйсид-джаза.
На российской сцене этот жанр представлен многими музыкантами.

Смус-джаз
Развившийся из стиля фьюжн, смус-джаз отказался от энергичных соло и динамических кресчендо предшествующих стилей. Смус-джаз отличает прежде всего намеренно подчёркнутая отполированность звучания. Импровизация также в значительной степени исключена из музыкального арсенала жанра. Обогащённый звуками множества синтезаторов в соединении с ритмическими семплами глянцевый саунд создаёт гладкую и тщательно отполированную упаковку музыкального товара, в котором ансамблевое созвучие имеет большее значение, чем его составные части. Это качество также отделяет этот стиль от других более «живых» исполнений. Инструментарий смус-джаза включает электрические клавишные инструменты, альт- или сопрано-саксофон, гитару, бас гитару и ударные. Смус-джаз возможно является наиболее коммерчески жизнеспособной формой джазовой музыки со времён эпохи свинга. Это направление современного джаза представлено, пожалуй наиболее многочисленной армией музыкантов, включая таких «звёзд», как Крис Ботти, Ди Ди Бриджуотер, Ларри Карлтон, Стенли Кларк, Эл Ди Меола, Боб Джеймс, Эл Джарро, Дайана Кролл, Брэдли Лайтон, Ли Ритенур, Дейв Грузин, Джефф Лорбер, Чак Лоеб и пр. Более подробную информацию можно найти на сайте http://www.smoothjazz.com/artists/

Распространение джаза
Джаз всегда вызывал интерес среди музыкантов и слушателей по всему миру вне зависимости от их государственной принадлежности. Достаточно проследить ранние работы трубача Диззи Гиллеспи и его синтез джазовых традиций с музыкой темнокожих кубинцев в 1940-е или более позднее соединение джаза с японской, евроазиатской и ближневосточной музыкой, известные в творчестве пианиста Дейва Брубека, так же как и у блестящего композитора и лидера джаз-оркестра Дюка Эллингтона, комбинировавшего музыкальное наследие Африки, Латинской Америки и Дальнего Востока. Джаз постоянно впитывал и не только западные музыкальные традиции. Например, когда разные художники стали пробовать работу с музыкальными элементами Индии. Пример этих усилий можно услышать в записях флейтиста Пола Хорна во дворце Тадж Махал (Taj Mahal), или в потоке «всемировой музыки», представленной например в творчестве группы Орегон или ансамбля Джона Маклоглина Шакти. В музыке Маклоглина, раньше в основном базировавшейся на джазе, в период работы с Шакти стали применяться новые инструменты индийского происхождения, вроде гатама или tablas, зазвучали запутанные ритмы и широко использовалась форма индийской раги. Художественный Ансамбль Чикаго (The Art Ensemble of Chicago) был ранним пионером в слиянии африканских и джазовых форм. Позднее мир узнал саксофониста/композитора Джона Зорна и его исследования еврейской музыкальной культуры, как в рамках оркестра Masada, так и вне его. Эти работы вдохновили целые группы других джазовых музыкантов, таких, как клавишник Джон Медески, сделавший записи с африканским музыкантом Салифом Кеита, гитарист Марк Рибо и басист Энтони Коулмен. Трубач Дейв Даглас с вдохновением внедряет в свою музыку балканские мотивы, в то время как Азиатско-Американский Джазовый Оркестр (Asian-American Jazz Orchestra) появился в качестве ведущего сторонника конвергенции джазовых и азиатских музыкальных форм. Поскольку глобализация мира продолжается, в джазе постоянно ощущается воздействие других музыкальных традиций, обеспечивающих зрелую пищу для будущих исследований и доказывающих, что джаз — это действительно мировая музыка.

Джаз в СССР
Джаз-сцена зарождается в СССР в 20-е годы одновременно с её расцветом в США. Первый джаз-оркестр России был создан в Москве в 1922 г. поэтом, переводчиком, танцором, театральным деятелем В. Парнахом и носил название «Первый в РСФСР эксцентрический оркестр джаз-банд Валентина Парнаха». [3] Первым профессиональным джазовым составом, выступившим в радиоэфире и записавшим пластинку считается оркестр пианиста и композитора Александра Цфасмана (Москва). Ранние советские джаз-банды специализировались на исполнении модных танцев (фокстрот, чарльстон).

В массовом сознании джаз начал приобретать широкую популярность в 30-е, во многом благодаря ленинградскому ансамблю под руководством актёра и певца Леонида Утёсова и трубача Я. Б. Скоморовского. Кинокомедия с его участием Весёлые Ребята (1934) была посвящена истории джазового музыканта и имела соответствующий саундтрек (написанный Исааком Дунаевским). Утёсов и Скоморовский сформировали оригинальный стиль «теа-джаз» (театральный джаз), основанный на смеси музыки с театром, опереттой, большую роль в нём играли вокальные номера и элемент представления.

Заметный вклад в развитие советского джаза внёс Эдди Рознер — композитор, музыкант и руководитель оркестров. Начав свою карьеру в Германии, Польше и других европейских странах, Рознер переехал в СССР и стал одним из пионеров свинга в СССР и зачинателем белорусского джаза. Важную роль в популяризации и освоении стиля свинг сыграли также московские коллективы 30-х и 40-х гг., которыми руководили Александр Цфасман и Александр Варламов. Джаз-оркестр Всесоюзного радио п/у А.Варламова принял участие в первой советской телепередаче. Единственным составом, сохранившимся с той поры, оказался оркестр Олега Лундстрема. Этот широко известный ныне биг-бэнд принадлежал к числу немногих и лучших джазовых ансамблей русской диаспоры, выступая в 1935—1947 гг. в Китае.

Отношение советских властей к джазу было неоднозначным: отечественных джаз-исполнителей, как правило, не запрещали, но была распространена жёсткая критика джаза как такового, в контексте критики западной культуры в целом.[4] В конце 40-х гг. во время борьбы с космополитизмом в СССР джаз переживал особо сложный период, когда коллективы, исполняющие «западную» музыку, подвергались гонениям.[5] С началом «оттепели» репрессии в отношении музыкантов были прекращены, но критика продолжилась. В 50-е и 60-е гг. в Москве возобновили свою деятельность оркестры Эдди Рознера и Олега Лундстрема, появились новые составы, среди которых выделялись оркестры Иосифа Вайнштейна (Ленинград) и Вадима Людвиковского (Москва), а также Рижский эстрадный оркестр (РЭО). Биг-бэнды воспитали целую плеяду талантливых аранжировщиков и солистов-импровизаторов, чье творчество вывело советский джаз на качественно новый уровень и приблизило к мировым образцам. Среди них Георгий Гаранян, Борис Фрумкин, Алексей Зубов, Виталий Долгов, Игорь Кантюков, Николай Капустин, Борис Матвеев, Константин Носов, Борис Рычков, Константин Бахолдин. Начинается развитие камерного и клубного джаза во всем многообразии его стилистики (Вячеслав Ганелин, Давид Голощекин, Геннадий Гольштейн, Николай Громин, Владимир Данилин, Алексей Козлов, Роман Кунсман, Николай Левиновский, Герман Лукьянов, Александр Пищиков, Алексей Кузнецов, Виктор Фридман, Алексей Товмосян, Игорь Бриль, Леонид Чижик и др.) Практически все из вышеперечисленных мэтров советского джаза начинали свой творческий путь на сцене легендарного московского джаз-клуба Синяя Птица, который существует с 1964 года по настоящее время.
В 60-годы в СССР вышла первая книга о джазе. Она была написана В. Мысовским и В. Фейертагом, называлась «Джаз» и представляла из себя по сути компиляцию информации, которую можно было получить из различных источников в то время. С этого времени началась работа над первой энциклопедией джаза на русском языке, которую удалось издать только в 2001 году в петербургском издательстве «Скифия». Энциклопедия «Джаз. XX век. Энциклопедический справочник» [6] была подготовлена одним из самых авторитетных джазовых критиков Владимиром Фейертагом [7], насчитывала более тысячи имён джазовых персоналий и была единодушно признана главной русскоязычной книгой о джазе. В 2008 году увидело свет второе издание энциклопедии «Джаз. Энциклопедический справочник» [8], где джазовая история была проведена уже до XXI века, добавлены сотни редчайших фотографий, а список джазовых имён увеличен почти на четверть.


Первый в РСФСР эксцентрический оркестр джаз-банд Валентина Парнаха

Латиноамериканский джаз
Соединение латинских ритмических элементов присутствовало в джазе почти с самого начала смешения культур, зародившегося в Новом Орлеане. Джелли Ролл Мортон говорил про «испанские оттенки» в своих записях середины и конца 1920-х. Дюк Эллингтон и другие руководители джазовых оркестров также использовали латинские формы. Главный (хотя не широко признанный) родоначальник латинского джаза, трубач/аранжировщик Марио Боза принес кубинскую ориентацию из своей родной Гаваны в оркестр Чика Уэбба в 1930-х, десятилетием позднее он внёс это направление в звучание оркестров Дона Редмана , Флетчера Хендерсона и Кэба Келлоуэя . Работая с трубачом Диззи Гиллеспи в оркестре Келлоуэя с конца 1930-х, Боза ввёл направление, от которого уже прослеживалась прямая связь с биг-бендами Гиллеспи середины 1940-х. Эта «любовная интрига» Гиллеспи с латинскими музыкальными формами продолжалась до конца его продолжительной карьеры. В 1940-е Боза продолжил карьеру, став музыкальным руководителем Афро кубинского оркестра Мачито, фронтменом которого был его шурин, певец Франк Грилло по прозвищу Мачито. 1950-1960-е годы прошли под знаком продолжительного флирта джаза с латинскими ритмами, преимущественно в направление боссановы, обогатив этот синтез бразильские элементами самбы . Соединив стиль кул-джаза, развитый музыкантами Западного Побережья, европейскую классическую соразмерность и соблазнительные бразильские ритмы, боссанова или как более правильно «бразильский джаз», получила широкую известность в США приблизительно в 1962. Тонкие, но гипнотические ритмы акустической гитары акцентировали внимание на простых мелодиях, поющихся как на португальском, так и английском языке. Открытый бразильцами Джоао Гильберто и Антонио Карлосом Джобимом, этот стиль в 1960-е годы стал танцевальной альтернативой хардбопу и свободному джазу, значительно расширив свою

Одно дело - переводы, а другое - тупо копировать/вставлять тексты, если можно дать ссылку. Фак представляет собой сборник вопросов ответов, а не куча статей в одном месте.

Предлагайте поправки. Теперь хоть модер есть, он их скопирует в текст фака.

Сначала сделайте что-то с текстом, грузится сто лет страница. Лучше переместить в DOX и сделать несколько статей, а не одну.

DOX по музыкальному О_о

А насчёт отдельных статей, согласен. Только на что разбивать? На ортодоксальный рок, панк, метал, джаз, электронику и рэп? Х_х

Однако давайте определимся, СКОЛЬКО стилей музыки существует? Назовите , естественно, только основные....

ДОКс по музыкальным жанрам будет. "Стили (или жанры) музыки" с разбитием на поджанры. Думаю, больше 20-25 глав делать не стоит, трудночитабельно будет... Вот только кто бы написал? За такой титанический труд, думаю, можно будет выпросить кубок месяца на 3-4, и тут работа не для одного... Ну, есть желающие?

Хех, музыку по жанрам и стилям ТОЧНО ты не разложишь. Например, дарк-амбиент, насколько мне известно, является одновременно стилем таких жанров как амбиент и индастрил. В какой жанр сей стиль пихать?

Ещё пример: наслышан, что в готике есть электронные стили (пусть более прошаренные в этом плане уточнят, что именно... я не про индастрил кстати), несмотря на то, что готика вообще-то жанр рок-музыки. Куда пихать эти электронные стили? По разновидности музыки - это будет электроника. А в электронике есть жанры: транс, хардкор, индастрил и т.д. А в данном случае какой жанр электроники? Готика? Не, этот жанр от такой разновидности музыки как рок-музыка.

И ещё пример: аггро-индастриал. По разновидности музыки - это рок-музыка. А жанра, в который входит такой стиль как аггро-индастриал, вроде бы даже нет. Остаётся в какой жанр тогда запихать аггро-индастриал? В индастриал? А нет, такой жанр как индастриал является жанром такой разновидности музыки как электроника. Опять несостыковочка.

Также: дроун-дум-метал. Судя по названию (да и по происхождению) - это как бе подстиль дум-метала, ну и соответственно значит и стиль метала. Но вот беда. Дроун-дум-метал не может является металом ввиду своего же звучания. Несмотря на многогранность метала, есть конкретные характеристики последнего, которым дроун-дум-метал не удовлетворяет. Но чьим-то стилем он же должен являться? может быть выделить его в отдельный жанр? Но вот беда. В нём нет стилей (жанры ими обычно обладают, на то они и жанры) да и перспектив для разделения его на стили попросту нет, по крайней мере на данный момент, возможно в будующем у него и будут какие-то ответвления. Но пристроить к чему-то всё равно этот стиль/подстиль надо. Куда? Раз он пошёл от дум-метала и не представляет из себя жанра, значит его поставим в подстиль дум-метала, если сортировать музыку по жанрам и стилям, но только условно. Металом он не является.

И вообще, некоторые проекты невозможно подставить в какие-то определённые рамки. Для примера, кто что скажет о жанровой и стилевой принадлежности такого исполнителя как Райскайа Боженька, например? Я имею ввиду, конечно же, НЕ стёбные композиции ("Ва Имя Бога", "Всиленскае Дабро (Зло cover)"). Музыка в полне отличная будет в определённых кругах, раз музыкальное, а не что-то стёбное, значит и стиль хотя бы примерно должен быть какой-то.

так. Мыслей много, вечером отвечу...

А тут надо оставить лишь ссылки на DOX и фак непосредственно в таком виде:
В: Я слушаю ххх, а другой чувак слушает ууу, должен ли я поливать его говном, и доказывать, что он дебил?
О: Нет, лучше его не трогать.
В: Какую музыку лучше всего слушать?
О: Слушай хорошую.

Так. Собрался с мыслями....

Стилей надо сделать совсем немного. Совсем. Классика, джаз, рок, поп, электроника ну и еще буквально пару... Все остальное скинуть в поджанры. Тот же дарк-амбиент кинуть в электронную музыку и не париться. Готику, индастриал, метал кинуть в раздел "рок". Насчет заумных стилей, типа упомянутого здесь "дроун-дум-метал" заморачиваться не стоит, его знают, слушают и исполняют считанные единицы, ТАК глубоко лезть не стоит, все ж таки этот форум для любителей музыки, а не для выпускников Гнесинки... Аналогично предлагаю пока что поступить с другими редкими и малоизвестными жанрами, наплевать и забыть.... Райский Боженька - аналогично, никто его ж не знает...

В любом случае, ХОТЬ КАК ТО систематизировать все равно надо...

1. Я не настолько разбираюсь в музыке, чтобы быть ее теоретиком, и уж тем паче не мне создавать теорию... Куда отнести тот или иной стиль - решать ВАМ, посетителям форума....
2. Хоспади... Ну запишите индастриал в электронную музыку, пусть будет так...
3. Не привязывайтесь к словам.... Ну, пусть не единицы, пусть десятки человек. В масштабах Земли - единицы же...

ФАК я бы мог кое-что написать *пафос*

Стилей надо сделать совсем немного. Совсем. Классика, джаз, рок, поп, электроника ну и еще буквально пару...

Придётся делать не так уж и мало, жанров в музыке много.

Франк, ты очень ошибаешься, полагая, что Раммштайн это эталон индастриала. Индастриал это Throbbing Gristle

жанров в музыке много

Пусть много, но для удобства пользования нужно выделить ОСНОВНЫЕ... не более 20, ну 25...

Франк, ты очень ошибаешься, полагая, что Раммштайн это эталон индастриала

Вы хохмачи или приколисты?! Я про Раммштайн за 4 года ни одной строчки не написал...

ЗЫ и в конце концов, пишите уже... Мог бы кое что написать.. Пишите!

Пусть много, но для удобства пользования нужно выделить ОСНОВНЫЕ... не более 20, ну 25...

Как получится. Нужно полноразмерное исследование делать. Жаль тут нету хорошо прошаренных людей в отношении различной электроники типа транса, хауза, джангла и тд. Рашшанквакер слушает чтото, но он вроде не особо щедр на теоретические выкладки.

Будет время - напишу что-нибудь, почему бы и нет в принципе. Через пару-тройку дней.

Как получится. Нужно полноразмерное исследование делать. Жаль тут нету хорошо прошаренных людей в отношении различной электроники типа транса, хауза, джангла и тд. Рашшанквакер слушает чтото, но он вроде не особо щедр на теоретические выкладки.

О-хо-хо, да мне в этом ещё самому прошариваца и ещё раз прошариваца :))

нужно выделить ОСНОВНЫЕ...

Эмммм, может назовёшь ОСНОВНЫЕ? О_о Таких нет. Есть только некоторые жанры, которые нифига не означают (хэир метал, к примеру), но, в основном, они весьма самобытны. Основных не выделить.

Классика, джаз, фолк… дофига их.

поп
рок
метал
рэп
джаз
электро
фолк
классика
этническая/религиозная

Вот, думаю, это и будут основные... Все остальные подвиды и подтипы...

а Джаз-Хоп куда?

в джаз...

а почему не в рэп?

При том, что между некоторыми фолками разница сильнее, чем между миталом и хип-хопом... И ещё куча нюансов.

Жанры как таковые можно выделить так: панк, метал, блюз, джаз, кантри, кельтский фолк, индастриал, транс, техно, испано-латинская музыка (фламенко, ранчера..), карибская музыка (регги, менто, ска, даб..) и ещё множество других. Эти жанры уже несводимы к каким-либо другим терминам, ну разве что пресловутое деление рок/поп/електроника, которая абсолютно некорректно по дефолту.

Всякие хаусы и клубняки с амбиентами запихнуть в электромузыку и дело с концом. Фак по музыке нужен тем, кто в ней не разбирается, и не иначе. Есть направление же рок-музыки, куда можно запихнуть от рок-н-ролла до мазафаки. А то, какой стиль произошел от какого, можно описать в историю музыки.

Nintendocore рулит.

Фак по музыке нужен тем, кто в ней не разбирается, и не иначе.

oooii3gg, да что ты говоришь, капитан Очевидность! Может ещё расскажешь что и учебники физики в школе не для профессоров, а для простых учеников? Я-то думал это ботаны всякие так, зачитывают дабы быть максимально труЪ

Извини, сударь, но тебе придётся поубавить свой пыл, ибо Всякие хаусы и клубняки с амбиентами запихнуть в электромузыку и дело с концом. и прочий дилетантизм ну никак не катит, и не прокатит - не дай бог чтоб такое ктото в фак запихнул

А Железная Обезьяна прав. То, что играли рок-н-ролльщики в 50ых, игралось на пианино ещё в 20ых и 30ых и называлось это тогда буги-вуги. И что, друг, прикажешь это в рок пихать? При том, что буги-вуги произошло вовсе из регтайма, который родился в конце 19 века? М?

Или предлагаешь пичкать людей устоявшимися клише и стереотипами? При том, что эти разделения годятся только лишь для тех, кто даже не прикасался к изучению музыкальных стилей. Как до Эйнштейна люди были убеждены в абсолютности пространства-времени, точно так же обыватель будет уверен, что понятия "рок" и "электроника" адекватные, пока не копнёт хотя бы чуточку глубже.

Если есть критика, надо предлагать что-то взамен.

Надо. И главное, есть что предложить. Только я не думаю, что этому стоит уделять столько времени хотя бы потому, что один человек такое не осилит, да и далеко не во всём я шарю, чтоб писать фак обо всём и обо всех. Если бы был коллектив из разбирающихся пацыков, то можно было бы пообсуждать и чтото даже сделать. А так - не вижу смысла.

неосторожность предложить хоть что-нибудь.

Так чего же ж ты обижаешься-то? В том, что предложение твоё неактуальное, вина не наша. Так говоришь, как будто на тебя тут личную злобу все скопили и теперь выпускают пар. Нет же. Просто ктото слишком самоуверенно полез всё по-своему настраивать.

автор болше всего меня поразило прям аж до неистовства не то что альтернитива и альт разные вещи,и даже не то что альтернатива взяла что от ска (не смотря на то что альтернатива существуе очень давно а ска появилась пару лет назад) а то что великие Biohazard истиные хардкорщики стали рэп-кором ты б их все альбомы послушал что ли а патом такое писал поражаюсь мышлению людей которые подобное пишут ))КАРОЧЕ ТЕМУ ПОД СНОС а этого юзера-нуба в БАНЮ!!!

(не смотря на то что альтернатива существуе очень давно а ска появилась пару лет назад)

а то что великие Biohazard истиные хардкорщики

LOL! И чем ты лучше "авторской" статьи? Такую же чепуху несёшь.

oooii3gg
Ты реально не шаришь. В ролле больше ритм эн блюза и кантри, чем рока в чистом виде.
А ещё и посты нецензурного содержания трёшь. Ай-яй-яй, нехорошо. Всё-равно будешь париться вместе с Айрон Манки.

Iron Monkey
Эпично) И немного жестоко. Слишком уныло тут будет на следующей неделе =(

Walkmate, это переходный стиль. Можно встретить как блюзовые темы, так и роковые. Не обращай внимания на Iron Monkey, он обычный тролль, в прошлый раз я из-за такого в баню отправился.

рока в чистом виде.

Рок в чистом виде это вообще что? Блюзовая суходрочка от Крим и Джетро Тулл?

Можно встретить как блюзовые темы, так и роковые.

Роковые вещи это какие? После рок-н-ролла пошло два тренда: один блюзо-ориентированный (хард-рок/блюз-рок/прог всякий) либо рок-н-ролл - ориентированный (гараж 60ых, панк).

Может и ошибаюсь, но назвать ролл роком всё равно что прото-панк панком.

Рок в чистом виде это вообще что?
А хрен его знает XD Тот, кто скажет, что знает точное определение термина "рок" и его границы нагло соврёт.

Может и ошибаюсь, но назвать ролл роком всё равно что прото-панк панком.

Неудачная аналогия, потому что термин панк-рок существовал уже в 1971 году, и применялся непосредственно к тому, что ныне зовут прото-панком. :) Маленькая осечка. Потому в некоторых источниках можно встретить термин 60s punk. Это то же самое, что гараж 60ых и сюда попадают тяжёлые шумные группы этой эпохи, которые каверили творчество звёзд 50ых

AxCx, хоть то, хоть то. Также и блюз породил фанк и рокнролл в свое время

Разница тем не менее огромная, потому что неясно, где же таки устанавливать "нижнюю" границу "рока" - и главное, на каком основании. Почему бы эту границу не снизить, или повысить. С бОльшим основанием можно было бы отнести панк к рок-н-роллу, а хард-рок к блюзу.

Например, на Западе, блюз-ориентированный тред, появившийся в начале 70ых, называют, как это ни странно, хеви-металом (традиционным) и прописывают сюда Блек Саббат, Лед Зеппелин и прочие Квины.

термин панк-рок существовал уже в 1971 году, и применялся непосредственно к тому, что ныне зовут прото-панком.

Хех, под рок н роллом тоже иногда подразумевали весь рок) Учтём, хотя прото-панк - отдельная тема.

Прото-панк хотя термин более широкий, чем панк-рок в значении тех лет. Последний был синонимом 60s garage. Причём, если мне не изменяет память, термин "гаражный рок" придумали уже потом, когда Секс Пистолс и Ко своровали "панк-рок" себе, и бывший владелец остался без ярлыка.

Есть такой аспект, как отсутствие четкой систематики. Любая группа может назвать свой стиль техно-транс-блюзом, даже если она играет обычную мазафаку.

Есть такой аспект, как отсутствие четкой систематики. Любая группа может назвать свой стиль техно-транс-блюзом, даже если она играет обычную мазафаку.

А какое это имеет отношение к данному обсуждению?

Хех, под рок н роллом тоже иногда подразумевали весь рок)

На Западе щас тоже. Смешно, но дет-митал это тоже рок-н-ролл %)

AxCx
К примеру, мне трудно отнести те же Los Saicos к панку, хотя их причисляют к прото-панку. В чём фича?) Да, вероятно, их творчество повлияло на формирование панк-сцены, но оно само панком почти не отдаёт. ИМХО.

дет-митал это тоже рок-н-ролл
Х)

А ведь я помню ту хрень, что ты накатал в своём профиле, блэкки. Неужели ты думаешь, что тебя реально кто-то будет воспринимать всерьёз?

Почему трудно? Секс Пистолс сильнее намного отличаются, по-твоему? Просто танцевальные рок-н-ролльные ходы стали менее выраженными, и всё. Или для тебя панк уже давно стал чем-то вроде Напалм Дет и Экстрим Нойз Террор х)

Не, для меня эталон - те долбаные Сорри, которых я хз когда услышал) Секс пистолз и Рамонез меня никогда особо не пёрли. Даже Игги Поп, и тот как-то больше вставлял X)

Дык, ориентироваться-то надо как раз СП, Рамонез, Клеш и проч, когда о прото-панке говорят. Эти группы по сути и являются рок-н-роллом без "танцевального" угара - это и отличает коренным образом 77панк от "гаража".

Вроде тех же Slaughter And The Dogs, да?

Вроде тех же Slaughter And The Dogs, да?

Ну и их тоже.

Всякие хаусы и клубняки с амбиентами запихнуть в электромузыку и дело с концом.

Ну хорошо, куда пихнёшь такой стиль как аггро-индастриал? :)

Зачем мне о сладкой музыке писать?

Надо же как-то это дело сдвигать с мертвой точки, а то вы без меня ни на шаг не продвинулись. Хип-хоп, рэп, фанк и арэнби надо запихнуть в одну статью, рок'н'ролл, рок, метал и блюз в другую, индустриал, эмбиент, ноиз, друмэнбасс в третью, электромузыку и попсу в четвертую, про народную и классическую, думаю писать не надо. Так, я план действий составил, а вы пишите статьи, да побыстрее.

Классифицировать по народам или использованию? Танцевальная и т.д.

Жжош.

а где даб,фанк,соул,джаз,гранж и рэгги? ай ай ай. батюшки...скоро добавлю.

из вики
Джаз (JaZZ)
Джаз возник как соединение нескольких музыкальных культур и национальных традиций. Первоначально он прибыл из африканских земель. Для любой африканской музыки характерен очень сложный ритм, музыка всегда сопровождается танцами, которые представляют собой быстрые притопывания и прихлопывания (чёрнокожие музыканты с легкостью перебирают пальцами по струнам банджо, отбивают чечетку на тамбурине и кастаньетах, и при этом одновременно выделывают невероятные па ногами). На этой основе в конце XIX века сложился еще один музыкальный жанр регтайм. Впоследствии ритмы регтайма в сочетании с элементами блюза дали начало новому музыкальному направлению — джазу.
Истоки джаза связаны с блюзом. Он возник в конце XIX века как слияние африканских ритмов и европейской гармонии, но истоки его следует искать с момента завоза рабов из Африки на территорию Нового Света. Привезённые рабы не были выходцами из одного рода и обычно даже не понимали друг друга. Необходимость консолидации привела к объединению множества культур и, как следствие — к созданию единой культуры (в том числе и музыкальной) афроамериканцев. Процессы смешивания африканской музыкальной культуры, и европейской (которая тоже претерпела серьёзные изменения в Новом Свете) происходили начиная с XVIII века и в XIX веке привели к возникновению «протоджаза», а затем и джаза в общепринятом понимании.
Колыбелью джаза был американский Юг и прежде всего Новый Орлеан. 26 февраля 1917 года в нью-йоркской студии фирмы «Victor» пятеро белых музыкантов из Нового Орлеана записали первую джазовую грампластинку. Значение этого факта трудно переоценить: до появления в свет этой пластинки джаз оставался маргинальным явлением, музыкальным фольклором, а после — в течение нескольких недель ошеломил всю Америку. Запись принадлежала легендарному «Original Dixieland Jazz Band».
Особенность стиля джаз — неповторимое индивидуальное исполнение виртуоза-джазмена. Залог вечной молодости джаза — это импровизация. После появления гениального исполнителя, который всю свою жизнь прожил в ритме джаза и до сих пор остается легендой — Луи Армстронга, искусство исполнения джаза увидело новые для себя необычные горизонты: вокальное или инструментальное исполнение-соло становится центром всего выступления, меняя полностью представления о джазе.
Джаз — это не только определенный вид музыкального исполнения, но и неповторимая жизнерадостная эпоха.
Термином новоорлеанский, и традиционный джаз обычно определяют стиль музыкантов, исполнявших джаз в Новом Орлеане в период между 1900 и 1917 годами, а также новоорлеанскими музыкантами, которые играли в Чикаго и записывали пластинки начиная приблизительно с 1917-го и на протяжении 20-х годов. Этот период джазовой истории известен также, как «Эпоха джаза». И это понятие также используется для описания музыки, исполняемой в различные исторические периоды представителями новоорлеанского возрождения, стремившихся исполнять джаз в том же самом стиле, что и музыканты новоорлеанской школы.
После закрытия Сторивилла джаз из регионального фольклорного жанра начинает превращаться в общенациональное музыкальное направление, распространяясь на северные и северовосточные провинции США. Но его широкому распространению конечно не могло способствовать только закрытие одного увеселительного квартала. Наряду с Новым Орлеаном, в развитии джаза большое значение с самого начала играли Сент-Луис, Канзас-Сити и Мемфис. В Мемфисе в XIX веке зародился рэгтайм, откуда потом в период 1890—1903 он распространился по всему североамериканскому континенту. С другой стороны представления менестрелей, с их пёстрой мозаикой всевозможных музыкальных течений афроамериканского фольклора от джиги до рэгтайма, быстро распространились повсюду и подготовили почву для прихода джаза. Многие будущие знаменитости джаза начинали свой путь именно в менстрель-шоу. Задолго до закрытия Сторивилла новоорлеанские музыканты отправлялись на гастроли с так называемыми «водевильными» труппами. Джелли Ролл Мортон с 1904 года регулярно гастролировал в Алабаме, Флориде, Техасе. С 1914 года он имел контракт на выступления в Чикаго. В 1915 году переезжает в Чикаго и белый диксилендовый оркестр Тома Брауна. Крупные водевильные турне в Чикаго совершал и знаменитый «Креол Бэнд», руководимый новоорлеанским корнетистом Фредди Кеппардом. Отделившись в своё время от «Олимпия Бэнда», артисты Фредди Кеппарда уже в 1914 году успешно выступали в самом лучшем театре Чикаго и получили предложение сделать звуковую запись своих выступлений даже прежде «Original Dixieland Jazz Band», которое, впрочем, Фредди Кеппард недальновидно отклонил.
Значительно расширили территорию, охваченную воздействием джаза, оркестры, игравшие на прогулочных пароходах, ходивших вверх по Миссисипи. Ещё с конца XIX века стали популярными речные поездки из Нового Орлеана в Сент-Пол сначала на уикэнд, а впоследствии и на целую неделю. С 1900 года на этих прогулочных пароходах (riverboat) начинают выступать новоорлеанские оркестры, музыка которых становится наиболее привлекательным развлечением для пассажиров во время речных туров. В одном из таких оркестров «Шугер Джонни» начинала будущая жена Луи Армстронга, первая джазовая пианистка Лил Хардин.
В riverboat-оркестре другого пианиста Фэйтса Мэрейбла, выступало много будущих новоорлеанских джазовых звёзд. Пароходы, совершавшие рейсы по реке, часто останавливались на попутных станциях, где оркестры устраивали концерты для местной публики. Именно такие концерты стали творческими дебютами для Бикса Бейдербека, Джесса Стейси и многих других. Ещё один знаменитый маршрут пролегал по Миссури до Канзас-Сити. В этом городе, где благодаря крепким корням афроамериканского фольклора развился и окончательно дооформился блюз, виртуозная игра новоорлеанских джазменов нашла исключительно благодатную среду. Главным центром развития джазовой музыки к началу 1920-х становится Чикаго, в котором усилиями многих музыкантов, собравшихся из разных концов США, создаётся стиль, получивший прозвище чикагский джаз.
Сегодняшний мир музыки столь же разнообразен, как климат и география, которые мы познаём благодаря путешествиям. И все же, сегодня мы наблюдаем смешение всё большего числа всемирных культур, постоянно приближающего нас к тому, что в сущности уже становится «всемирной музыкой» (world music). Сегодняшний джаз уже не может не быть под влиянием звуков, проникающих в него практически из любого уголка земного шара. Европейский экспериментализм с классическим подтекстом продолжает влиять на музыку молодых пионеров, таких, как например Кен Вандермарк, фриджазовый авангардист-саксофонист, известный по работе с такими известными современниками, как саксофонисты Мэтс Густафссон, Эван Паркер и Питер Броцманн. К другим молодым музыкантам, более традиционной ориентации, которые продолжают поиски своего собственного тождества, относятся пианисты Джекки Террассон, Бенни Грин и Брэйд Мелдоа, саксофонисты Джошуа Редман и Дэвид Санчес и барабанщики Джефф Уоттс и Билли Стюарт.
Старая традиция звучания стремительно продолжается такими художниками, как трубач Уинтон Марсалис, работающий с целой командой помощников, как в собственных маленьких группах, так и в Джаз-Оркестре Центра Линкольна, который он возглавляет. Под его покровительством выросли в больших музыкантов пианисты Маркус Робертс и Эрик Рид, саксофонист Уэс «Warmdaddy» Эндерсон, трубач Маркус Принтуп и вибрафонист Стефан Харрис. Басист Дейв Холланд также является прекрасным открывателем молодых талантов . Среди многих его открытий такие художники, как саксофонист/М-басист Стив Коулмен, саксофонист Стив Уилсон, вибрафонист Стив Нельсон и барабанщик Билли Килсон. К числу других великих наставников молодых талантов относятся также пианист Чик Кориа, и ныне покойные — барабанщик Элвин Джонс и певица Бетти Картер.
Потенциальные возможности дальнейшего развития джаза в настоящее время достаточно велики, поскольку пути развития таланта и средства его выражения непредсказуемы, умножаясь поощряемым сегодня объединением усилий различных джазовых жанров. Например, саксофонист Крис Поттер под собственным именем выпускает мэйнстримовый релиз и в то же время участвует в записи с другим великим авангардистом, барабанщиком Полом Мотианом. Аналогично, другие легенды джаза, относящиеся к различным джазовым мирам могут встречаться под одним знаменем, как это было например при совместной записи Элвина Джонса, саксофониста Дьюи Редмана и пианиста Сесила Тэйлора.

Blues(Блюз)
Блюз (англ. blues от blue devils) — жанр музыки, получивший широкое распространение в 20-х годах XX века. Является одним из достижений афроамериканской культуры. Сложился из таких этнических музыкальных направлений афроамериканского общества как «рабочая песня» (англ. work song), «спиричуэлс» (англ. spirituals) и холер (англ. Holler). Во многом повлиял на современную популярную музыку, в особенности таких жанров как «поп» (англ. pop music), «джаз» (англ. jazz), «рок-н-ролл» (англ. rock’n’roll). Преобладающая форма блюза 4/4, где первые 4 такта зачастую играются на тонической гармонии, по 2 — на субдоминанте и тонике и по 2 — на доминанте и тонике. Это чередование также известно как блюзовая прогрессия. Нередко используется ритм восьмых триолей с паузой — так называемый шаффл. Характерной особенностью блюза являются «блю ноутс». Часто музыка строится по структуре «вопрос — ответ», выраженная как в лирическом наполнении композиции, так и в музыкальном, зачастую построенном на диалоге инструментов между собой. Блюз является импровизационной формой музыкального жанра, где в композициях зачастую используют только основной опорный «каркас», который обыгрывают солирующие инструменты. Исконная блюзовая тематика строится на чувственной социальной составляющей жизни афроамериканского населения, его трудностях и препятствиях, возникающих на пути каждого чёрного человека
Можно сказать, что формирование классического блюза завершилось где-то в 20-х годах XX века с появлением ансамблей, исполнявших блюзы. В нем утвердились характерные особенности, унаследованные от музыки афроамериканских негров, и чётко определилась 12-тактовая форма и гармоническое сопровождение. В этот период блюз постепенно выходит из африканских гетто и переходит в форму шоу-бизнеса. Примечательно, что в этот период было повальное увлечение вокалистками, поющими блюз. В 1920 г. негритянка Мэми Смит (Mamie Smith) записала на грампластинку свой «Crazy Blues» и, ко всеобщему удивлению, пластинка имела небывалый коммерческий успех. Фирмы грамзаписи, почуяв прибыль, набросились на новую музыку. Именно к 1921 г. формируется тенденция и начинается ее реализация в последующие 12 лет. Начался блюзовый бум.
В этот период, среди всего наплыва «модных» блюзовых исполнительниц принято выделять, прежде всего Ма Рэйни (Ма Rainey), которая закончила выступать в 1935 году; Бэсси Смит (Bessie Smith), считавшаяся критиками вехой в эпохе блюза. Независимо от моды на исполнителей и музыку, публика всегда очень любила её, но её упадок произошёл к 30-м годам. В последний раз она записывалась в 1933 г., но, по свидетельству Д. Л. Коллиера, «это была уже скорее дань прошлому». Упадок женского классического блюза приходится на 30-е годы. Можно отметить двух ведущих исполнителей этого периода Джо Тернера (Joe Turner) и Джимми Рашинга (Jimmy Rushing). Джо Тернер был знаменит своими быстрыми блюзами, которые он не столько пел, а как бы кричал на фоне энергичного фортепианного аккомпанемента в стиле «буги-вуги».Большей популярностью пользовался Джимми Рашинг, который был ведущим вокалистом оркестра Каун-та Бейси (Count Basie) с 1935 по 1948 гг. Легендарной фигурой традиционного блюза был и остается Роберт Джонсон (Robert Johnson), гитарист и певец, погибший в 27-летнем возрасте, но успевший в конце 1920-начале 1930-х гг. записать около тридцати песен, и в их числе Перекресток (Crossroad), практически обязательный номер в программе блюзменов последующих поколений. В некоторых песнях: «Walking Blues» («Гуляющий Блюз»), «Crossroad Blues» («Блюз Перекрестка»), «If I Had Posession Over Judgement Day» («Владей я чем-то во время Судного дня») — Джонсон звучит как настоящий рок-н-ролльный бэнд, так же полновесно, как первые группы Элвиса или Боба Дилана и мощнее их. «Однако взгляд на него как на первого рок-н-роллера только еще начинает формироваться», — так характеризует Р.Джонсона американский музыковед Грей Маркус. Творчество Р.Джонсона сильно повлияло на формирование исполнительской манеры таких грандов рока, как Мик Джаггер и особенно Эрик Клаптон, использовавших темы блюзов Джонсона в своем репертуаре.
Среди других известных исполнителей этого времени можно назвать Чарли Паттона (Charley Patton), Блайнд Лемона Джефферсона (Blind Lemon Jefferson), Джона Слипи Истиза (John Sleepy Eastes), Биг Билла Брунзи (Big Bill Broonzy). Чаще всего блюзмены брали выразительные прозвища, как например, уже упоминавшиеся имена: «Слепой Лимон» Джефферсон, «Соня» Истиз, «Большой Билл» Брунзи и т. п.

SOUL
Соул (от английского soul — «душа») — наиболее эмоционально-прочувствованное, «душевное» направление популярной музыки чернокожих жителей США (ритм-энд-блюза), сложившееся в южных штатах США в конце 1950-х годов под воздействием традиции джазовой вокальной импровизации и спиричуэлов.
Музыкальные критики считают самым ранним образчиком соула «I’ve Got a Woman» — песню, записанную 18 ноября 1954 года в Атланте Рэем Чарльзом. Другие важнейшие записи раннего соула — «Please Please Please» Джеймса Брауна (1957) и «Georgia on My Mind» Рэя Чарльза (1960).
В 1960-х годах соул становится наиболее популярным направлением негритянской музыки. Связано это было с борьбой афроамериканцев за свои права: такие ключевые записи, как «A Change Is Gonna Come» имели как символически-библейское, так и актуально-политическое звучание. Самые яркие представители южного соула шестидесятых — Сэм Кук, Арета Франклин, Отис Реддинг и Джеймс Браун — были вовлечены в общественное движение, во главе которого стоял Мартин Лютер Кинг.

В более коммерчески ориентированном соуле шестидесятых различают несколько направлений, важнейшие из которых — так называемый «мемфисский» (Booker T. & the MG's, Эл Грин) и «детройтский» соул (Стиви Уандер, Марвин Гей). Основными идеологами детройтского соула, рассчитанного не только на чернокожую, но и на белую аудиторию северных штатов США, являлись Берри Горди и Смоки Робинсон — президент и вице-президент могущественного лейбла Motown Records.
Экспериментальный подход к соул-музыке середины 1960-х представляет продюсер Фил Спектор, который привлёкал к участию в своих амбициозных проектах «соул-симфоний» не только чернокожих (Тина Тёрнер), но и белых музыкантов (дуэт The Righteous Brothers).
В семидесятые годы соул отчасти уступает популярность танцевальному направлению в ритм-энд-блюзе — фанку. Наиболее популярен в те годы был мягкий «филадельфийский» соул, которого от классического соула отличают усложнённые, сочные аранжировки и введение элементов фанка. В эти годы к музыке соул обращались и многие белые музыканты европейского происхождения (Ван Моррисон, в отдельных случаях Элтон Джон и Дэвид Боуи) — соул в их исполнении американцы иронически называют «голубоглазым».
Начиная с начала 1980-х (творчество Принса) соул переживает новый подъём, став наряду с фанком одним из основных коммерческих стандартов обновлённого ритм-энд-блюза. В конце 1990-х, когда возродился интерес к классическому соулу, возникло ретроспективное направление «нео-соула» (Лорин Хилл, Эрика Баду, Алиша Киз, Джон Ледженд).
Наиболеe ярким представителем направления соул в наше время является темнокожая певица Шадэ.


FUNK
Фанк (англ. funk) — одно из основополагающих течений афроамериканской музыки. Термин обозначает музыкальное направление, наряду с соулом составляющее ритм-энд-блюз, а также — стиль танца под эту музыку. Формирование фанка началось в 60-х годах в противовес растущей коммерциализации ритм-энд-блюза. Основоположниками стиля явились Джеймс Браун и Джордж Клинтон.

Слово фанк — жаргонное, оно означает танцевать так, чтобы очень сильно взмокнуть. Слово «фанк» (Get funk!, Get funky!) джазмэны употребляли с начала XX века, когда обращались к зрителям, наряду с ним употреблялось слово «сканк» (англ. skunk). Впоследствии слово фанк закрепилось за стилем музыки, который считается наиболее танцевальным во всём ритм-блюзе.

Фанк, прежде всего, является танцевальной музыкой, что определяет его музыкальные особенности: предельная синкопированность партий всех инструментов (синкопированный бас называется «фанкующим»), пульсирующий ритм, кричащий вокал, многократное повторение коротких мелодических фраз. Лари Грэму часто приписывают изобретение «ударной техники игры на басу» слэп, который стал отличительным элементом фанка. Гитаристы в фанковых группах играют в ритмичном стиле, часто используя эффект звука wah-wah (звука, на который наложен эффект «флэнджер»). «Мёртвые» или приглушённые ноты используются в рифах, чтобы усилить ударные элементы. Джими Хендрикс был пионером фанк-рока. Последователем фанка в новом веке стал стиль синти-фанк.
Фанк появился в середине 1960-х в США, как видоизменённый утяжелённый соул. Характерно, что изобретатель и «крёстный отец» фанка Джеймс Браун начинал, как певец соула и ритм-энд-блюза. Первой записью в стиле фанк считаются его песни «Papa’s Got a Brand New Bag» и «Funky Drummer» 1965-го года. Первоначально, фанк был только развлекательной музыкой («In the Midnight Hour» и «Funky Broadway» Уилсона Пикетта), но в контексте движения за права чернокожих получил и политическое звучание.
Классические записи фанка относятся к рубежу 1960-х и 1970-х, когда помимо Джеймса Брауна и Джорджа Клинтона большую популярность получили команды Sly & the Family Stone и Earth, Wind & Fire. В это время и позднее фанк влияет на рок и джаз, порождая переходные стили. Не избежала влияния фанка и альтернативная рок-музыка (Talking Heads, Minutemen). В середине 1970-х выхолощенный и электризированный фанк даёт рождение диско. Фанк оказывает значительное влияние на развитие рок-музыки 90-х гг. во многом благодаря белым музыкантам и таким группам как Red Hot Chili Peppers, Primus, Jamiroquai, Beastie Boys, и Spin Doctors.
В 1980-е гг. фанковые короли Майкл Джексон и Принс царят на олимпе не только (и не столько) ритм-энд-блюза, сколько мировой поп-музыки, что свидетельствует о способности стиля отвечать на музыкальные запросы самой разношёрстной публики. В 1980-х семплы фанк-хитов очень широко используются в хип-хопе; эта традиция продолжается и в 2000-е гг. такими влиятельными продюсерами, как The Neptunes. А ещё фанк используют в основе такие Hip-hop продюсеры как Madlib , Dj Premier , Pete Rock , J Dilla, Dr. Dre и многие другие.

DUB
Даб (англ. dub) — музыкальный жанр, возникший в начале 1970-x годов на Ямайке. Первоначально записи в этом жанре представляли собой песни реггей с удалённым (иногда частично) вокалом. С середины 1970-х годов даб стал самостоятельным явлением, считающимся экспериментальной и психоделической разновидностью реггей. Музыкально-идейные наработки даба дали рождение технологии и культуре ремиксов, а также прямо или косвенно повлияли на развитие новой волны и таких жанров, как хип-хоп, хаус, драм-энд-бэйс, трип-хоп, даб-техно, дабстеп и других.
По звучанию даб характеризуется, прежде всего, мощной плотной басовой линией, общим пространственным звучанием композиций и обилием глубокого эха на присутствующих звуках, особенно на ударных и перкуссии. Поскольку даб является производным от регги, басовые линии составляются по канонам, типичным для этого жанра.
Это направление получило название благодаря «дублированию» песен реггей их инструментальными, ориентированными на ритм версиями на оборотной стороне синглов, и к середине 1970-х развилось в собственный полноценный стиль, открывающим простор для звукорежиссёрских экспериментов. Обычай перезаписывать или пересводить песни реггей без вокала начался в 1967 году, когда диск-жокеи обнаружили, что в танцклубах и на вечеринках люди сами с удовольствием поют эти песни. Где-то к 1969 году некоторые диск-жокеи начали говорить под эти инструментальные версии, часто изменяя уже знакомый текст песни.
Наиболее заметным из «ранних» ди-джеев был Ю-Рой (U-Roy), получивший известность благодаря тому, что вёл импровизированные диалоги с певцами на записях. Аудиосистема, на которой работал Ю-Рой, принадлежала звукорежиссёру Кингу Табби. Последний микшировал все инструментальные дорожки, под которые Ю-Рой говорил. В конце концов, Табби начал экспериментировать, делая ремиксы этих инструментальных дорожек, увеличивая громкость ритм-секции, выбрасывая все или почти все вокальные партии, если они были, и добавляя новые эффекты, такие как реверберация и эхо. Многие поклонники реггей восприняли это как освобождение музыки от всего лишнего, чтобы добраться до её естественной сути. Синглы с инструментальными версиями на стороне «Б» (B-sides) получили всеобщее распространение, и ремиксы Кинг Табби стали чуть ли не важнее самих оригиналов. С 1974 года стали появляться альбомы, полностью состоявшие из «дабов», с заметными влияниями миксов Табби. Альбом «Pick A Dub» Кейта Хадсона (1974) считается первым полноценным альбомом в стиле даб. Композиции альбома сконцентрированы вокруг плотных партий баса и ударных, периодически «всплывающих» голосов и перкуссионных наслоений, записанных с использованием эхо-эффектов.
Пик популярности даба приходится на конец 70-х, к тому времени он приобретает известность в Британии и США, а некоторые рок-музыканты (например, The Police, The Clash, Public Image Ltd, The Slits, The Pop Group) напрямую заимствуют элементы даба в своей собственной музыке.
Из других ранних продюсеров стоит назвать Ли «Скретч» Перри с его колоритным, утончённым стилем. К 1976 году даб по популярности на Ямайке уступал только коренному растафарианскому реггей, а также получил распространение в Великобритании (во многом благодаря лейблу Island Records), где такие коренные исполнители реггей, как Burning Spear и Black Uhuru не менее успешно освоили даб. В 1980-е даб в Великобритании продолжал быть актуальным направлением, благодаря Mad Professor, Aswad и такому экспериментатору, как Адриан Шервуд (Adrian Sherwood), но в дальнейшем, несмотря на появление новых талантливых исполнителей, таких как Scientist, Принс Джемми (Prince Jammy) и Майки Дред, мода на ямайскую музыку сдвинулась в сторону словесных импровизаций ди-джеев, с популярностью dancehall и ragga.
Неторопливая музыка даба возымела влияние не только в контексте рэггей; драм-энд-бэйс, расцветший в 1990-е годы в Великобритании, многое заимствовал из техники продюсирования и микширования, применявшейся в дабе.
С началом цифровой эры на Ямайке в 1985 году, многие даб-продюсеры начинают экспериментировать с электронным звучанием, а к 90-м, при возрождении рутса, в Великобритании возникает новая волна даб-музыки (Jah Shaka, Jah Warrior, Mixman и т. п.). В это время многие поп-группы, такие как (Dreadzone), заимствуют элементы даба, появляются стили музыки, на которые непосредственно повлиял даб, к примеру, эмбиент-хаус (The Orb), даб-хаус, даб-техно (Basic Channel), трип-хоп (Massive Attack). В свою очередь даб-музыканты активно используют в своей музыке элементы современной электронной музыки.

Ого

спасииибо) о_О

ЛОЛ
2. Techno Death Metal. Нет такого стиля, Techno это восьмидесятые и диско.:D Technical Death Metal

Techno Death Metal
Ай лолд.
Brutal Death Metal (Deathcore).
Ай лолд. х2

Бред.

Эта тема перенасыщена дезинформацией.

я, помнится, как-то скопипастил первое сообщение из этой темы на какой-то местный внутренний ресурс, уверяя, что она взята "из более чем достоверных источников" \m/

Блэк - это сверхтяжёлый блюз с дисторшен. Это я в очень толстой, умной книге прочитал. Называлась вроде "Энцыклопедия рока". Послушайте характерные риффы банды Ancient с их телеги "A Mad Blood Scenario"

Нужно писать суть, ядро стиля и нормальный пример.
С AxCx согласен.

Про джаз много мат напороли.

Блэк - это сверхтяжёлый блюз с дисторшен.
Нет. Это скорее сверхбыстрый гаражный рок.

Подскажите, что можно послушать.

Весь метал - это вообще утяжелённый тяжёлый рок.

AxCx
Эта тема перенасыщена дезинформацией.

Согласен.

так будет уже запилен трушняковый фак?

Весь метал - это вообще утяжелённый тяжёлый рок.
Термина "тяжёлый рок" в международной терминологии не существует. Хотя на Западе обобщающе всю тяжёлую музыку могут условно назвать хэви-металом. К тому же, весь "метал" в своей совокупности нельзя привязывать к какой-либо определенной эволюционной исторической ветви, т.к. начиная с появления треш-метала пошли процессы взаимного обмена идеями с панк-музыкой.

т.к. начиная с появления треш-метала пошли процессы взаимного обмена идеями с панк-музыкой.

даже раньше - с НВОБХМ.